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lunes, 24 de noviembre de 2025

EL TREMOLO FLAMENCO

 


El trémolo es una técnica difícil y muy expresiva usada en guitarra clásica que consiste en un bajo o nota grave pulsada por el dedo pulgar de la mano derecha, usualmente en la 6ta, 5ta o 4ta cuerda, seguida de una repetición de 3 veces de una nota aguda o de melodía con los dedos anular, mayor e indice, mayormente tocada en la primera cuerda de la guitarra., formando en total un grupo de 4 notas, por lo general semicorcheas.

La diferencia entre el trémolo clásico y el trémolo flamenco es que en el flamenco la nota repetida se pulsa 4 veces generando un grupo de 5 notas o quintillo, haciéndolo de esta manera un poco mas lleno y profundo. De este modo la secuencia de dedos de la mano derecha queda así: El pulgar pulsa la nota grave o bajo y la nota repetida 4 veces se digita con índice, anular, mayor e índice de nuevo.


Esta es una técnica muy expresiva y usada tanto en clásico como en flamenco y se utiliza para crear la ilusión de que la nota repetida en realidad es una sola nota larga que queda sonando, casi como si fuera el sustain de un violín. Normalmente se intercalan distintos bajos o notas graves sobre alguna melodía que ejecuta el tremolo, generando 2 melodías independientes que suenan a la vez, creando así pasajes de mucha complejidad musical.

Es una técnica difícil de aprender para ejecutar con fluidez y velocidad.

Dejo un par de ejercicios para empezar a practicarla.

El Ej. 1 es la forma más básica, utilizando únicamente cuerdas al aire. El tremolo se ejecuta todo el tiempo en la 1era cuerda y los bajos, tocados con el pulgar, van pasando por todas las cuerdas desde la 6ta hasta la 2da y vuelta.


Lo ideal es practicar esto con un metrónomo y buscar la precisión primero antes que la velocidad.

El Ej. 2 es un poco más entretenido y usa como trémolo permanente la 1er cuerda al aire de la guitarra, alternando los bajos entre la 6ta, 5ta y 4ta cuerda con los acordes de E, FMaj7, Gadd6 y FMaj7 nuevamente.



lunes, 3 de noviembre de 2025

ARPEGIOS CON STRING SKIPPING

 


Los arpegios con saltos de cuerda o string skipping son una técnica interesante y diferente para tocar secuencias o pasajes de arpegios intrincados.

Un guitarrista que suele usar esta clase de técnica de manera muy efectiva y original es Paul Gilbert, a decir verdad no sé si hay alguna técnica que esta bestia del encordado no utilice con una eficiencia total y a una velocidad increíble.

Pero más allá de las velocidades supersónicas de Gilbert estos arpegios se pueden tocar a una velocidad más moderada e igualmente suenan muy bien, además de poder combinar las notas del arpegio en secuencias que con otra digitación serian muy poco viables para realizar con fluidez.

La clave está en primero entender en dónde se modifica la digitación convencional para convertirla en una digitación con un salteo de cuerdas.

La digitación más común para tocar un arpegio mayor, en este caso un D, en las primeras 4 cuerdas de la guitarra es esta:   

                                                          

Si tomamos la nota de la 2da cuerda (la nota A del traste 10) y la reubicamos en el traste 14 de la tercera cuerda entonces nos quedaría esta digitación.
 
                                     



De esta forma eliminamos la 2da cuerda y nos queda una secuencia de 2 notas por cuerda en la primer y tercer cuerda y una nota en la cuarta (en este caso la tónica del acorde) haciendo que el patrón de púa se parezca al que usamos en una escala pentatónica con la única diferencia que estamos salteando una cuerda.

Esto mismo se puede hacer con un arpegio menor, un disminuido o incluso un aumentado simplemente modificando las terceras y las quintas.

Así se vería un arpegio menor


El ejemplo que dejo a continuación es un ejercicio que Paul Gilbert publicó en la revista Guitar Player a mediados de los 80’s donde tuvo durante un tiempo una columna mensual. Está basado en una progresión de acordes clásica, utilizada muchas veces por distintos compositores. Quizás la pieza más conocida que utiliza esta progresión, y de donde la saco el mismo Gilbert, es el Canon de Pachelbel.

|: D A | Bm F#m | G D | G A :|

Esta progresión de acordes está basada en la tonalidad de D mayor y utiliza básicamente acordes menores y mayores correspondientes a la tonalidad, usando dos grupos de cuerdas distintos, el de la 1era 3era y 4ta cuerdas y el de la 2da 4ta y 5ta cuerdas.
Las digitaciones son las mismas que puse antes y el orden en el que toca las notas se invierte de un grupo de cuerdas al siguiente generando un salto muy grande de la 1era a la 5ta cuerda cuando une un arpegio con el siguiente.

Si bien se puede tocar con diferentes secuencias de púa, la fórmula que figura en la partitura/tab es la que usa Gilbert, combinando downstrokes, upstrokes y pull offs, facilitando de esta forma la velocidad.



 

lunes, 22 de septiembre de 2025

EJERCICIO DE ESTIRADAS (BENDING)

 


La estirada de cuerdas o bending, es una de las técnicas más expresivas y usadas en la guitarra eléctrica y consiste básicamente en empujar la cuerda hacia arriba o hacia abajo (según el caso) para modificar la afinación de la nota inicial y subirla medio tono, un tono, un tono y medio, 2 tonos etc.

La clave para realizar bien esto es fundamentalmente lograr la afinación precisa de la nota a la que se quiere llegar, de algún modo es parecido a cantar.

La única manera de saber si la nota esta correctamente afinada es con el oído, lo cual implica un cierto grado de experiencia y atención al sonido de la nota.

En cuanto a la mecánica o técnica en sí misma, la manera más fácil de hacerlo (en principio) es utilizando el dedo 3 reforzándolo con los dedos 1 y 2 detrás para aumentar la fuerza. Con el tiempo y la práctica esto se puede hacer con los demás dedos también.

Ya publiqué una nota sobre estiradas hace un tiempo, si no la viste la podes encontrar acá y empezar por esos ejercicios que son un poco más fáciles.

Estiradas 1

Los tres ejercicios que dejo hoy tienen la misma mecánica pero van cambiando con cuál escala están armados.

La idea básica es tomar la nota G de la 2da cuerda del traste 8 y levantarla un tono hasta la nota A y mantenerla así, luego tocar la nota A del traste 5 de la 1er cuerda para comparar y confirmar que la afinación de la nota estirada es igual y volver a tocar la nota de la 2da cuerda estirada, formando un patrón de:
Nota estirada en la 2 cuerda, mantener, tocar la misma nota pisada en la primer cuerda y volver a tocar la nota que aun se mantiene estirada en la 2da cuerda y así sucesivamente con las demás notas de la escala.

El Ej.1 está basado en la escala de A menor antigua (modo  aeólico)




El Ej.2 está basado en la escala de A mayor (modo  jónico)




El Ej. 3 está basado en la escala de blues de A y es el más difícil de hacer correctamente ya que presenta la mayor cantidad de variaciones entre semitonos, tonos y tonos y medio.


martes, 9 de septiembre de 2025

ESCALA MAYOR A 4 NOTAS X CUERDA 2DA PARTE

 


Continuando con la entrada anterior hoy dejo 4 ejemplos de la escala mayor digitada a 4 notas x cuerda usando la tonalidad de F Mayor como ejemplo.

En estas posiciones van a aparecer las 4 digitaciones que deje a modo de ejercicio en la entrada anterior:
La que tiene el semitono en el medio, la que tiene el semitono al principio, la que tiene el semitono al final y la que no tiene ningún semitono.

Estas 4 digitaciones van a aparecer en distintas cuerdas y a distintas alturas del mango según la posición.

Las tablaturas están al final de la nota.

El Ej 1 arranca en la tónica (el F del traste 1 de la 6ta cuerda) y asciende hasta el A del traste 17 de la primera cuerda.

Esta posición es simétrica.

Las cuerdas 6 y 5 tienen el semitono al final.
Las cuerdas 4 y 3 tienen el semitono en el medio.
Las cuerdas 2 y 1 tienen el semitono al principio.


El Ej. 2 arranca desde el G del traste 3 y asciende hasta el Bb del traste 18.

En este caso las cuerdas 6 y 5 tienen el semitono en el medio
Las cuerdas 4 y 3 tienen el semitono al principio.
La cuerda 2 tiene la única digitación sin semitonos
La cuerda 1 tiene el semitono al final.


El Ej. 3 arranca desde el A del traste 5 y asciende hasta el C del traste 20.

En este caso las cuerdas 6 y 5 tienen el semitono al principio.
La cuerda 4 tiene la única digitación sin semitonos
Las cuerdas 3 y 2 tienen el semitono al final.
La cuerda 1 tiene el semitono en el medio.


El Ej. 4 arranca desde el Bb del traste 6 y asciende hasta el D del traste 22.

En este caso la cuerda 6 tiene la única digitación sin semitonos
Las cuerdas 5 y 4 tienen el semitono al final.
Las cuerdas 3 y 2 tienen el semitono en el medio.
La cuerda 1 tiene el semitono al principio.


Este sistema se puede seguir desde cada una de las notas que restan en la 6ta cuerda y se va a ir cortando en la primera cuerda dependiendo de cuántos trastes tenga tu guitarra.

lunes, 1 de septiembre de 2025

ESCALA MAYOR A 4 NOTAS POR CUERDA



Continuando un poco con la entrada anterior hoy dejo unos ejercicios para practicar la escala mayor a 4 notas por cuerda, en lugar de las digitaciones más tradicionales de 3 notas por cuerda.


La digitación de una escala mayor a 4 notas por cuerda es una práctica muy común y estandarizada en el violín, que sumado a su afinación por quintas, hace mucho más fácil su ejecución (a diferencia de la guitarra que se afina en 4tas con excepción de la 3er y 2da cuerda que forma un intervalo de 3era) Por supuesto que lo difícil en el violín es afinar las notas, por suerte los guitarristas tenemos los trastes que garantizan la afinación de las notas.

Pero a diferencia del violín, en la guitarra la desventaja o dificultad es la separación más grande entre las notas, sobre todo más cerca del clavijero donde los espacios son mayores.

Hay solo 4 digitaciones posibles:

1- La que ubica el semitono entre los dedos 2 y 3. Por ejemplo (tomando la escala de C Mayor) en la secuencia de notas A B C D y en la secuencia de notas D E F G.






 2- La que ubica el semitono entre los dedos 1 y 2. En la secuencia de notas E F G A y en la secuencia de notas B C D E.





3- La que ubica el semitono entre los dedos 3 y 4. En la secuencia de notas C D E F y en la secuencia de notas G A B C.




4- Y por último (y la más difícil) la única secuencia de 4 notas que no contiene semitonos (modo lidio) F G A B. Esta secuencia es la más amplia en términos de distancia ya que hay que dejar libre un traste entre cada dedo.




La dificultad de cada una de estas 4 digitaciones varía proporcionalmente al tamaño del espacio entre los trastes, en la zona más cercana al clavijero de la guitarra los trastes están separados a mayor distancia lo cual lo hace mucho más difícil de abarcar.

Antes de aplicar estas digitaciones sobre la escala propiamente dicha, lo mejor es familiarizarse con estas distancias con unos ejercicios que dejo aca, y después aplicarlos a la escala.

Las fotos muestran la digitación de cada una de estas combinaciones, y están a partir del traste 5 de la 6ta cuerda.

Una aclaración muy importante con respecto a estos ejercicios.

Estas distancias no son fáciles de alcanzar y su dificultad varía en proporción directa al tamaño de las manos y  largo y flexibilidad de dedos de cada uno.

Si la distancia te resulta muy grande, subí los ejercicios a trastes mas juntos, por ejemplo a partir del traste 12, o donde te resulte más fácil, y mové el ejercicio gradualmente y de a un traste por vez a lo largo de varios días, hasta que de a poco alcances tu limite. NO te lesiones!

Por otro lado, tampoco hace falta que vayas dejando cada dedo puesto sobre los trastes, como muestran las fotos, si bien, esto es ideal (sobre todo si queres hacer ligados) también se puede tocar trasladando la mano en la medida en la que vas tocando cada nota.

Cada uno es el que mejor sabe hasta dónde puede llegar y dónde es demasiado estiramiento de los dedos. Lo bueno es que con la práctica la flexibilidad y alcance van siendo cada vez más fáciles. Decidí vos a qué altura del mango podes empezar sin exigirte al límite.

jueves, 21 de agosto de 2025

ESCALA MAYOR EXTENDIDA



La escala diatónica, más conocida como “escala mayor” es posiblemente la escala más común de todas, ya que la podemos encontrar en casi todos los estilos musicales, rock, metal, blues, clásico, flamenco, folklore, tango etc.

Las digitaciones de esta escala son prácticamente infinitas, pero posiblemente la manera más practica y común de digitarla en una guitarra sean las posiciones de 3 notas por cuerda, popularizadas a principios de los 80’s en clínicas de guitarra en video como por ejemplo “Intense Rock 1” de Paul Gilbert, o “Modes No More Mystery” de Frank Gambale entre otras tantas.
Esa clase de digitaciones ayudan a darles velocidad ya que la púa realiza siempre el mismo tipo de movimiento en cualquiera de las posiciones, dado que siempre hay 3 notas por cuerda.
Ahora, si queres salirte un poco de ese molde, necesitas ver la escala en su totalidad a lo largo de todo el mango de la guitarra, como por ejemplo ve una escala un pianista. Esa clase de aproximación nos mostraría un gráfico como este:


Este gráfico muestra la escala de C mayor completa en todo el mango de la guitarra desde las cuerdas al aire hasta el traste 17.
Vista de este modo, es fácil ver que la cantidad de digitaciones y combinaciones de notas posibles es literalmente infinita.
Memorizar esta clase de gráficos requiere tiempo y experiencia, pero una vez asimilado, abre muchas puertas para generar licks, fraseos y melodías que en una posición cerrada no serian posibles.

EL ejemplo 2 muestra apenas una posibilidad de cómo atravesar el mango de la guitarra en una escala extendida desde el F del traste 1 hasta el G del traste 15.


El ejemplo 3 muestra englobado en rojo el camino utilizado en el ejemplo anterior.



Con el tiempo y la práctica es fácil encontrar centenares de variaciones más.


lunes, 9 de junio de 2025

Arpegios de 7

 


Un arpegio es básicamente un acorde tocado nota por nota. Hay tantos arpegios como acordes se puedan concebir.

El acorde o arpegio más básico es el acorde de tres notas o triada (T35) en sus variantes mayores, menores, aumentadas y disminuidas.

El acorde con 7 grado (tétrada) es esencialmente una triada mas la 7.

Esto genera varias combinaciones entre las 3eras, 5tas y 7mas posibles.

Hoy dejo unos ejercicios con arpegios de 7 basados en la armonía de la escala mayor que presenta 4 clases de acordes de 7:

El acorde mayor 7 (Maj7) formado por la tónica, 3 mayor, 5 justa y 7 mayor (T357)

El acorde menor 7 (m7) formado por la tónica, 3 menor, 5 justa y 7 menor (Tb35b7)

El acorde de 7 dominante (Dom7) formado por la tónica, 3 mayor, 5 justa y 7 menor (T35b7)

Y el acorde menor séptima con la quinta disminuida o semidisminuido (min7b5) formado por la tónica, 3 menor, 5 disminuida y 7 menor (Tb3b5b7)

En la armonía de la escala mayor, en este ejemplo en la tonalidad de C mayor, encontramos:

Acordes Maj7 en el primer y cuarto grado (CMaj7 y FMaj7)
Acordes m7 en el segundo, tercero y sexto grado (Dm7, Em7 y Am7)
Un acorde Dom7 en el quinto grado (GDom7 o G7)
Y un acorde semidisminuido (m7b5) en el séptimo grado (Bm7b5)

De este modo la armonía resultante es:

CMaj7 Dm7 Em7 FMaj7 G7 Am7 Bm7b5

El Ej.1 muestra estos arpegios en las primeras tres cuerdas de forma ascendente y luego descendente. Se pueden tocar con sweep picking como marca la partitura o también con la púa alternada. Lo ideal es practicarlos con las dos técnicas.

El Ej.2 alterna un arpegio ascendente con uno descendente enganchándolos en un sube y baja continuo.

Y el Ej.3 revierte la misma fórmula.



lunes, 26 de mayo de 2025

JOHN MCLAUGHLIN "GUARDIAN ANGELS"


“Guardian Angels” es una breve composición de menos de un minuto de duración del virtuoso guitarrista británico John McLaughlin grabada originalmente en el disco “Electric Dreams” editado en 1979.

 

Este mismo tema, pero en una versión extendida y bastante más acelerada en su tempo, apareció un tiempo después en el histórico disco “Friday Night in San Francisco” que grabaran a fines de 1980 John McLaughlin, Paco De Lucia y Al Di Meola, 3 muchachos que de tocar la guitarra algo saben…

 

El tema es básicamente una sucesión de arpegios tocados en un continuo fluir de corcheas sin silencios ni variaciones rítmicas, pero si con distintas figuraciones de compas, que se repite dos veces, la segunda vez con una melodía encima.

En la partitura todos estos cambios de compás pueden parecer intimidantes, pero en realidad no lo son, las notas valen todas lo mismo, es decir, tienen la misma duración y el cambio de compás es más que nada una forma de marcar la secuencia de arpegio de cada acorde.

Hay una figura arpegiada de 7 notas en el compás 11, dos arpegiados de 6 notas en los compases 15 y 22 y todas los demás arpegios son de 3 o de 5 notas.

Los acordes que se escuchan a lo largo del tema (contrariamente a lo que parece a primera oída) son realmente muy sencillos y comunes. Mayormente son triadas mayores, menores y acordes Maj7 con inversiones varias, eventualmente con alguna #11 y un acorde dominante de 7 (F#7)

La genialidad de esta composición está en los voicings que utiliza McLaughlin, es decir cómo están armados los acordes. Triadas abiertas y acordes desplegados en más de una octava de rango le dan un sonido mucho más abierto, complejo y sofisticado que si usara los voicings o posiciones típicas de estos acordes en la guitarra.

Estos voicings sumados a la asimetría e irregularidad rítmica le otorgan mucha sofisticación a esta composición, haciéndola sonar mucho más compleja y fina de lo que sería si hubiera usado posiciones de acordes más comunes y un tipo de arpegiado regular y simétrico.

Con respecto a la parte técnica, como suele pasar con las composiciones de esta clase de guitarristas, no es fácil. La púa (anotada golpe por golpe en la transcripción) presenta varias dificultades y salteos de cuerdas, y en la versión del trío, además presenta el desafío extra de un tempo más acelerado.

Mención aparte para la increíble sincronización y precisión entre estos tres animales al tocar eso, y grabado en 1980, sin la capacidad de edición prácticamente “mentirosa” que hay hoy en día.

Esto está tocado de una y posiblemente los tres a la vez. Con guitarristas de este calibre nada asombra.

miércoles, 6 de noviembre de 2024

KAMIKAZE "Lloviendo en mi corazon" Gtr Solo

 


“Lloviendo en mi Corazón” es uno de los cortes de difusión del 3er disco de Kamikaze (“Kamikaze III”) editado en 1991.

El tema es de mi autoría junto a Enrique Gomez Yafal y es una de las canciones más recordadas y festejadas de ese álbum.

 

Hoy dejo una transcripción de mi solo de guitarra.

El tema está en la tonalidad de Am, y podes encontrar el riff principal del tema en esta entrada antigua relacionada

Kamikaze III    

La afinación de este disco es de medio tono abajo.

El solo entra a los 3’31’’ sobre la última vocalización de Yafal y comienza con una serie de arpegios de G#dim7 que suenan sobre el dominante de la tonalidad (E7) y están tocados con la púa alternada (no con sweeps) y unos pocos ligados descendentes (pull offs) y dan paso al solo central que modula a la tonalidad de C#m.

Los compases 4, 5 y 6 están basados en la superposición de las escalas de blues y dórica de C#m mas alguna nota de paso al final, y está íntegramente ejecutado con la técnica de púa alternada.

Este es un solo de una dificultad considerable ya que el tempo es rápido y la agrupación de las notas es muy espontánea y libre, generando unas figuras rítmicas complejas y aleatorias. Los acentos que figuran en el pentagrama te van a ayudar a entender mejor el mecanismo interno de las frases.

Acá podes mirar esta nota relacionada sobre cómo interpretar esta clase de figuras rítmicas complejas

Far Beyond The Sun 

En el último pulso del compas 6 y el primero del compas 7 hay un arpegio de C#m que comienza con un sweep de 3 cuerdas y el resto de las notas están ligadas, incluyendo un taping en el traste 21 de la 1er cuerda.

En los compases 11, 12, 13 y 14 suena un lick con taping que es básicamente una secuencia de 3 notas pero tocada en semicorcheas, es decir agrupada a 4 notas por pulso, lo que genera un desplazamiento rítmico que hace que la frase suene mas interesante y menos cuadrada.

El solo termina con una melodía ascendente tocada con tremolo picking y un arpegio de G#dim7 secuenciado (también con la púa alternada) que devuelve el tema a su tonalidad original de Am y da paso al solo de Daniel Telis.


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martes, 6 de agosto de 2024

Triadas Abiertas

 

Las triadas abiertas son un recurso más dentro del arsenal musical tanto para la utilización armónica, es decir en bases o progresiones de acordes, como para la utilización melódica, solos, improvisaciones etc. 

Una tríada en posición abierta quiere decir que sus voces o grados, están agrupados de manera tal que superan el rango de una octava.

El Ej.1 muestra claramente en la guitarra de qué se trata esto. Básicamente lo que hacemos es tomar la voz o nota del medio de la triada en su posición original cerrada, y subirla una 8va. De este modo generamos inmediatamente una triada en posición abierta, con el correspondiente cambio sonoro y de amplitud de registro.


Este ejemplo solo muestra las triadas en el grupo de cuerdas mas grave de la guitarra, la idea es desarrollarlo en los demás grupos de cuerdas también, así como aprenderlas también en las otras 3 clases de triadas, es decir, las menores, aumentadas y disminuidas.

El Ej.2 muestra las posibilidades de este recurso aplicados a una sencilla progresión de acordes. El sonido resultante es mas pianístico ya que hay mas “aire” o espacio entre las notas de la triada, dándole un sonido mas abierto, que además es ideal para usar con distorsión, ya que separa las voces de modo tal que queda un bajo por un lado, y las otras dos notas por el otro en el juego de cuerdas intermedio de la viola.


El Ej.3 muestra una idea de aplicación melódica en lugar de armónica. Este ej. corresponde al tema “Cliffs Of Dover” incluido en el CD “Ah Via Musicom” de Eric Johnson, quien suele usar triadas abiertas con mucha frecuencia. Este extracto del solo con el que comienza el tema suena a los 0:11 segundos.

La sucesión de triadas abiertas de este pasaje implica la progresión de acordes:

Am/C, Bm/D, Em/G, Am, G/B, C, D


Técnicamente presenta el uso de gran cantidad de saltos de cuerda requiriendo de gran precisión en la mano derecha para tocarlo limpiamente.

Una vez que entiendas estos ejemplos trata de incorporar la idea a tus bases y solos y vas a contar con un nuevo elemento de creatividad a tu disposición.

Podes ver un magistral ejemplo del uso melódico de las triadas abiertas en la "Partita para violín n°1" de J.S. Bach en una transcripción mía para guitarra que podes encontrar acá:

Parte 1
Parte 2

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martes, 30 de julio de 2024

KZ4! "Sin Ley" GTR SOLO


Esta es una continuación de la entrada anterior, si no la viste la podes ver acá:

Sin Ley

“Sin Ley” es el primer corte de difusión del disco de KZ4! “Cadenas” grabado en 2013.

La música es de mi autoría y la letra de Enrique Gomez Yafal.

Si no lo escuchaste podes ver el video clip oficial acá:


 

La afinación de todo el disco es de un tono y medio abajo, lo que le da un sonido sumamente denso y pesado. Pero además en este tema (y varios más del disco) la 6ta cuerda está afinada un tono más bajo de lo habitual, lo que sería como un “Drop D” pero un tono y medio más bajo.

Para evitar confusiones esta es la afinación cuerda por cuerda:

6ta: B
5ta: Gb
4ta: B
3ra: E
2da: Ab
1era: Db


En la entrada anterior transcribí los 2 riffs principales del tema, en esta ocasión dejo mi solo de guitarra que suena a los 3’29’’

Para este solo utilicé las escalas de blues de Dm y también la de Dm dórica.

En esta clase de solos típicos de 8 compases, donde no hay demasiado tiempo/espacio para explayarse o tocar demasiadas cosas, me gusta buscar un equilibrio entre melodías y pirotecnia, algo que se aprende a hacer con el oficio y la experiencia.


En este caso en los primeros 4 compases del solo traté de buscar alguna frase o melodía interesante pero no tan convencional o común, utilizando la escala de blues con varios saltos de notas y de registro, y dejé los últimos 4 compases para generar más vértigo y velocidad con una serie de licks en seisillos utilizando taping y ligados para generar contraste y variedad entre las 2 partes..   

Los compases 6 y 7 están basados en la escala de Dm dórica con una secuencia siempre igual donde utilizo un taping y un pull off en la 2da cuerda, y un Hammer en la tercera cuerda. En el primer seisillo del compas numero 7 hay una variación utilizando la primer cuerda también. Debajo de la tablatura está la digitación de mano izquierda.

En la secuencia final, que comienza en la última semicorchea del compas 7 y se prolonga por los siguientes 2 compases, utilizo una nota pedal en la nota C (también con taping) y una serie de notas descendentes (A, Ab, G y F) basadas de nuevo en la escala de blues de Dm, finalizando con un slide, dándole a todo el pasaje un sonido fluido y veloz.


Detalles de equipamiento:

Las guitarras se grabaron en el estudio “La Nave de Oseberg”

El tema fue grabado con una Gibson Les Paul Standard 2001 con los mics Gibson originales 490 y 498 en un canal, y otra Gibson Les Paul Studio 1993 con un set de  micrófonos EMG 81/85 en el otro canal, duplicando la toma. Amplificadas en un cabezal Marshall JCM 2000 dsl de 100 watts en el canal verde (Crunch) con un bafle Marshall clásico con 4 parlantes Celestion de 12 pulgadas y  75watts cada uno y un pedal Visual Sound “Jeckyll & Hyde” usado en el canal verde, que es básicamente una copia fiel de un Ibanez Tube Creamer TS808.

Las cuerdas usadas en las guitarras son Ernie Ball “Beefy Slinky” 0.11 a 0,54 que es prácticamente un encordado 0.12.  Para esta clase de afinación tan baja son ideales para mantener la tensión y la afinación estable.


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miércoles, 17 de julio de 2024

"TOCCATA Y FUGA EN Dm" J.S. BACH



La Toccata y Fuga en Dm de J. S. Bach no solo es una pieza de una enorme complejidad musical sino que es además una de las obras musicales más populares y conocidas de la historia junto con la 5ta y 9na sinfonías de Beethoven, la Pequeña Serenata Nocturna de Mozart y las 4 estaciones de Vivaldi.

Es sencillamente una genialidad concebida por quién posiblemente sea el músico más influyente de la historia.



Compuesta originalmente para ser ejecutada en órgano, el sonido de esta pieza, particularmente su introducción, está muy vinculado a docenas de películas de terror.

Como cualquier pieza para instrumentos de teclado y 10 dedos, adaptarla a una guitarra implica ciertas reducciones de voces. En este caso aun más, ya que la partitura original incluye no 2, sino 3 pentagramas, uno para la mano izquierda, otro para la derecha y otro para los pedales que se ejecutan con los pies, de donde surgen los sonidos más graves de registro mas bajo.

Una manera de arrimar un poco al sonido monumental del órgano con una simple guitarra eléctrica es agregarle un pedal octavador que sume automáticamente una octava grave a cada nota que se toca en la guitarra, logrando así un sonido más lleno y pesado.

Esta es una pieza de tempo básicamente libre y cambiante en cada sección, te recomiendo que busques alguna versión clásica para tomar algún punto de referencia.

Acá te dejo una muy recomendable:
  

Los primeros 4 compases de la pieza comienzan con la inmortal melodía basada en la escala de Dm Armónica (D E F G A Bb C#) en 3 octavas distintas desembocando en un arpegio de C#dim7 que resuelve sobre un Dsus4 un Dsus2 y finalmente un D Mayor.

De los compases 5 al 8 se produce una escala ascendente en tresillos de semicorcheas basada en la escala de D menor armónica en 2 octavas diferentes.

Los compases 9, 10 y la mitad de 11 están basados en una serie de arpegios descendentes de la armonía de la tonalidad de Dm/F. Estos son:

E° Dm C Bb Am Gm F E° Dm y C#°

Resolviendo sobre un acorde de Dm, seguido una vez más, por un arpegio de C#dim7 seguido de un pequeño pasaje con la escala de Dm melódica (escala “Bachiana” D E F G A B C#) un arpegio de A7, un trino y finalmente el acorde de tónica Dm.

Pronto transcripción completa disponible!

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