Al Di Meola es
uno de los guitarristas más importantes de la historia con una discografía
enorme y amplia en cuanto a estilos, que van desde el jazz, rock/fusión, tango,
world music etc.
A
lo largo de su gigantesca carrera ha tocado con muchos músicos notables como Chick Corea, Stanley Clarke, John
McLaughlin, Paco De Lucia, Larry Coryell y muchos otros.
Su discografía es tan extensa y variada que es difícil elegir o recomendar por dónde
empezar, pero si no escuchaste mucho de Di Meola podes empezar por algunos de
sus discos más reconocidos y clásicos como “Elegant
Gypsy” (1977) el disco en vivo “Tour
de Force” (1982) “World Sinfonia”
(1991) “Di Meola plays Piazzolla”
(1996) y el antológico “Friday Night in
San Francisco” (1981) junto a John
McLaughlin y Paco De Lucia.
Di Meola fue uno de los primeros guitarristas eléctricos en desarrollar la
velocidad con la técnica de púa alternada y fue influencia en guitarristas como
Yngwie Malmsteen, Paul Gilbert, John
Petrucci, Steve Morse y otros monstruos de la guitarra.
Pero también es un virtuoso con la guitarra acústica, particularmente con las
cuerdas de metal. Una de las características más sobresalientes es su capacidad
de tocar secuencias de arpegios veloces y complejas con la púa, algo que no es
nada fácil de hacer.
Para esta nota elegí 4 pasajes que son representativos de esta técnica.
El Ej. 1 es la introducción de “Mediterranewan Sundance”, uno de los
temas más conocidos de Al, incluido en el disco “Elegant Gypsy” (1977) y también en el disco en vivo “Friday
Night…” con John y Paco.
Es básicamente un arpegio que implica los acordes de Amadd9, Am, C, Am en los primeros 2 compases y después resuelve en
un arpegio de Emadd9
El Ej. 2 es la introducción de “Fantasia Suite” incluido en el disco “Casino” (1978) y también está en el disco
en vivo con Paco y John.
Este pasaje se compone de 4 triadas: G,D,
F y C, este ultimo tocado en
seiscillos repitiendo 3 veces cada nota.
El Ej. 3 corresponde al tema “Passion, Grace & Fire” incluido en
el disco “Electric Rendezvous”
(1982) y también incluido en el 2do disco del trió con Paco y John que también
lleva el nombre “Passion Grace & Fire” (1983)
Este arpegio de aires flamencos implica un A7b9 y está tocado con cuerdas muteadas o asordinadas con el canto de la mano derecha
al principio y después lo va abriendo y generando un crescendo timbrico y de
volumen. Es posiblemente el ejemplo más difícil de tocar de estos 4
El Ej. 4 es la introducción del tema
“Perpetual Emotion” incluido en el
disco “World Sinfonia” (1991)
Este arpegio de A7 tiene un voicing
y un patrón de arpegiado muy sofisticado que hacen que un acorde relativamente
común como un A7 suene como algo mucho más complejo.
“Pajaros de Acero”
es un tema que compuse junto a Enrique Gomez Yafal para el 3er disco de Kamikaze(“Kamikaze 3”) editado en 1991.
El tema está compuesto
en la tonalidad de C# menor y acá
les paso mi solo de guitarra. Este es uno de los solos que a lo largo de los
años mis alumnos mas me han pedido que les enseñara.
La velocidad del tema es aproximadamente 167 bpm (beats por minuto) y el solo
presenta varios pasajes de semicorcheas que a esta velocidad no son fáciles. Es
un solo de dificultad intermedia hacia arriba.
El tema tiene 2 solos como todos los temas del disco, donde compartíamos la función
de guitarra lead con el querido y recordado Daniel Telis.
El primer solo es el mío y comienza a los 3’55’’
Para este solo la base modula a la tonalidad vecina de F# menor
Esta es la base:
|F#5|C#5|D5|E5|
(Sobre la partitura
podes ver la armonía en cifrado)
Son 4 compases de cada acorde sumando un total de 16 compases. Los acordes son
todos acordes de 5ta justa machacados en corcheas continuas pero implican armónicamente
un F#m/C#/D/E
Los primeros 2 compases del solo están montados sobre el último
acorde del corte posterior al estribillo del tema, de modo que todavía estamos
en la tonalidad de C# menor. El acorde es un A5 implicando en la armonía un A mayor y ahí mismo empiezo el solo usando
la escala, que en este contexto y sobre el acorde de A seria técnicamente el modo Lidio de A (relativo de C# menor o E mayor)
Es una secuencia ascendente en semicorcheas con todas las
notas punteadas con la púa y sin ligados que termina en la nota F# que es la tónica
de la tonalidad a la que modula la base del solo. A veces me gusta empezar los
solos de a poco y que vayan in crescendo, pero de vez en cuando esta bueno
largar un solo así, “sin anestesia”.
Los siguientes 4 compases se desarrollan sobre el F#5 que implica un F#m. En los compases 5 y 6 uso un arpegio de F# menor, secuenciándolo y generando una serie de saltos
difíciles de hacer con precisión a esta velocidad. Es importante practicar esta
clase de frases mas despacio y utilizando un metrónomo para ganar seguridad
antes de tratar de tocarlos a la velocidad de la luz.
Como presentan varios saltos deposición, el control visual ayuda mucho. La
vista llega mas rápido que la mano y donde va el ojo va la mano. El ligado que
hay en la 2da semicorchea de cada grupo ayuda a hacer mas fluida la frase. El
resto de las notas las toco con la púa alternada, no hay ninguna clase de Sweep en este solo.
En los siguientes 4 compases la base cambia al acorde de C#5, implicando un C# mayor, que es el dominante de F# menor y acá uso la escala de F# menor armónica, dándole ese sonido
bien clásico y Malmsteeneano. En el compas 9 suena un clásico fraseo con
notas pedales en el estilo de J.S.Bach.
El siguiente acorde a partir del compas 11 es un D5 implicando un D mayor y acá para matizar el sonido del solo, utilizo la escala de
Blues de C#m generando un contraste con el sonido mas clásico de los compases
anteriores.
Para los últimos 4 compases (del 15 al 18) el acorde de base
es un E5 implicando un E mayor y utilizo la escala mixolidia de E (que sigue siendo
relativa del tono general del solo que es F#m) y de nuevo uso una larga
secuencia en semicorcheas continuas culminando en un yeite mas rockero/blusero
con la escala pentatónica de Em hasta
la estirada final dándole paso al solo de Daniel.
Esta clase de secuencias ascendentes y extensas en
semicorcheas continuas, generan una sensación
de vértigo y clímax en los solos. Y
como dije antes, la idea es practicar estos pasajes mas despacio con la ayuda
de un metrónomo hasta alcanzar la velocidad final de 167 bpm.
Cuantomas limpias
suenan las notas, mas rápido parece que vas
El sonido que uses también es importante que tenga definición
y claridad y no esté zarpado de efectos que esconden las notas y disfrazan
errores.
El solo fue grabado con una guitarra Fender Stratocaster Anniversary 1979 con micrófonos DiMarzio HS3 en
bridge y neck, un amplificador Marshall JCM 800 (2210) y un pedal Boss
Compressor & Sustainer CS3 para darle una pequeña rosca extra al sonido de solo.
El
capricho nº 24 de N. Paganini es posiblemente el mas conocido de los 24. Su
tema o melodía inicial ha sido tomado por varios autores clásicos y versionado
de distintas formas, entre los cuales se puede destacar a F. Liszt.
Cualquier
capricho de Paganini, es todo un desafío para tocar en la guitarra, y este no
es la excepción.
Esta es una transcripcion mia que voy a ir publicando aca completa en varias entradas.
(Para ver las otras partes consulta las entradas anteriores del blog)
VAR Nº1:
Esta variación esta armada directamente
con los arpegios de la armonía implícita.
Los adornos o dos notitas mas chicas que
preceden a cada arpegio no suman valor a la figura de trescillos y se tocan
rápidamente a modo de ornamentación de los arpegios.
Esta clase de adornos son extremadamente
comunes en música clásica.
Posiblemente la manera mas eficiente de tocar
esta variación es con sweep picking. La razón por la que no anoté la digitación
de la púa, es primero para no sobrecargar tanto la partitura, y segundo porque
no es la única manera de tocarlos.
En realidad yo tocaba estos arpegios con la
púa alternada.
Este capricho fue el primer capricho de
Paganini que me “tire” a aprender hace 30 años, y en ese momento yo solía
tocar todo lo que tocaba con la púa alternada, las palabras Sweep Picking no
eran ni remotamente tan populares como lo fueron años después, y yo ni siquiera
sabia que esa técnica existía.
Por supuesto que eso me causó toda clase de
dificultades para poder darles velocidad, pero por otro lado desarrolló mi
técnica de púa alternada enormemente.
En resumen, el Sweep seria lo mas adecuado,
pero no dejes de contemplar la posibilidad de tocar algunos pasajes con la púa
alternada, es posible hacerlo bien, te lo digo por experiencia.
VAR Nª2:
Esta variación está armada en base a escalas,
mayormente de A menor, las mencionadas en la entrada anterior, y usa toda clase de notas
de paso, de hecho si prestas atención vas a ver que están las 12 notas! (un
capo Paganini la verdad).
Estas notas están presentadas también en forma
de rápidos adornos, y lo mejor es ligarlas ya que la velocidad a la que van en
general en las versiones de violín, las hace muy difíciles de puntear y darles
esa agilidad, es casi como que esos adornos se patinan hacia las notas que
preceden.
En las siguientes entradas voy a publicar las demas variaciones
Aca te dejo una version mia en guitarra electrica grabada en una portastudio en 1997
Veamos una idea de cómo desarrollar
una idea a partir de una célula musical mas sencilla.
En este caso mi célula musical va a ser una
progresión de acordes muy simple y básica y la voy a desarrollar y a sofisticar
un poco.
Por supuesto que también podría partir de una
melodía, un riff o de una célula rítmica, eso no importa, la idea es
desarrollar esa semilla inicial.
Voy a usar como ejemplo la estructura básica
de “Corre”, tema incluido en el CD de Magiar “Twister”
Luego del riff principal del tema, aparece la
1ra progresión de acordes donde comienza la estrofa, una clásica cadencia en la
tonalidad de Em :
||: Em | Em | D | C :||
Lo que hago es tomar esos acordes iniciales y
reemplazarlos por otros mas elaborados pero que no me cambian la progresión
básica, es decir, son extensiones diatónicas de los acordes originales.
diatónicas se refiere a que las notas que agrego a los acordes, son de la
escala o tonalidad original.
Ahora tenemos esto:
||: Em7/9 | Em7/9 | Dsus4 | Cadd9/#11 :||
El Ej. 1 suena a los 0’33’’ y muestra
la progresión mutada.
En cuanto a la parte técnica de ejecución, una
distorsión moderada y algo de sordina con la mano derecha en el puente (Palm
muting) en algunas partes ayudan a evitar que las notas de los acordes se
empasten o “ensucien”
La siguiente sección del tema tiene solo 2
acordes, los originales eran Am y D.
Agregándole un par de extensiones y un pedal
en A usando la 5ta cuerda al aire ahora tenemos:
||: Am7
| Dadd9/11/A :||
El Ej. 2suena a los 0’45’’ y muestra los acordes
extendidos y su patrón rítmico, en este caso combinando algunos arpegios con el machaque en la 5ta cuerda.
Para la siguiente sección del tema, justo
antes del estribillo tenemos la siguiente progresión básica:
| C | G/B | Am | A5 E5 G5 D5 |
Para esta sección el recurso utilizado, además
de extender esos acordes, es mantener la misma frase o arpegio en los 3
primeros compases y solo cambiar el bajo, lo que genera las extensiones de los
acordes de manera automática.
La nueva progresión (Ej. 3) queda así y
suena a los 0’59’’:
| Cadd#11 | Gmaj7/B | Am7/6 | A5 E5 G5 D5 |
En este caso particular estas progresiones de
acordes salieron ya inicialmente de esta forma, no es que apliqué ningún
proceso al respecto, simplemente quería esta clase de sonido para este tema y
nacieron así de entrada nomás, pero sirve para explicar como generar una idea
mas compleja de una semilla mas simple.
Y lo último, y que es fundamental tener en
cuenta, es que a veces lo mas simple es lo mejor, en algunos casos unos sencillos
acordes de 5ta son lo mas efectivo, no hay que perder de vista eso.
