"THE GODFATHER SUITE" Parte 1 La Orquesta

La  Suite de la película “El Padrino” inmortalizó la música de Nino Rota dejando en el inconsciente colectivo algunas melodías memorables.

(Nino Rota 1911/1979)

Cuando decidí grabar mi propia versión de la Suite lo primero que hice fue buscar el score o partitura orquestal completa en internet, cosa que NO conseguí, de modo que busqué un par de versiones en YouTube y me puse a sacar de oído la armonía general y las líneas melódicas de los distintos grupos de instrumentos y escribir nota por nota de cada instrumento en el editor de música que uso que es el Sibelius.

Luego dividí la Suite en 4 partes o movimientos:

1-Waltz
2-Love Song
3-The New Godfather
4- Heavy

Acá podes escuchar mi versión de la Suite de “The Godfather”

 

“The Godfather Suite” Arreglo para Guitarra y orquesta

En esta entrada y la siguiente voy a escribir un poco sobre este proyecto y presentar la transcripción y score completo de toda la Suite

Esta edición incluye:

2 libros de 81 páginas en total, uno con el score orquestal completo y el otro con la guitarra solista.
Además incluye 9 pistas o tracks de audio,
La versión final
Las 4 pistas originales de Orquesta para tocarlo encima
Y las 4 pistas de la guitarra solista aislada para escucharla en más detalle.

Básicamente una orquesta es como un instrumento musical gigante con un rango dinámico y sonoro enorme, desde las notas más bajas o graves hasta las más agudas, y desde los sonidos más suaves hasta los más poderosos y estridentes.

Suele dividirse (dependiendo el tamaño de la orquesta) en 4 grandes grupos de instrumentos: los clásicos instrumentos de cuerda, los poderosos metales, las maderas, y la sección de instrumentos de percusión.

Los instrumentos:

Este es el total de instrumentos que utilicé a lo largo de los 4 movimientos.
Algunos instrumentos solo aparecen en un movimiento, otros como la sección de cuerdas están presentes en los 4.
La banda de rock solo aparece en el último movimiento (Heavy)

Banda de Rock
Guit. (Guitarra líder)
Guit. (Guitarra líder 2)
Guit. (Guitarra Rítmica)
Bass (Bajo)
Dr. (Drums/Batería)
Choir (Coro)
Synth (Sintetizador)

Cuerdas:
Vln 1 (Violín 1)
Vln 2 (Violín 2)
Vla (Viola)
Vc (Violoncello)
Cb. (Contrabajo)
Guit. (Guitarra clásica)
Harp. (Arpa)

Maderas:
Eb Cl. (Clarinete 1)
Eb Cl. (Clarinete 2)
Ob. (Oboe 1)
Ob. (Oboe 2)
Bsn. (Fagot)
Eng. Hn (Corno ingles)
Flute (Flauta)

Metales:
Hn. (Trompa/French Horn 1)
Hn. (Trompa/French Horn 2)
Eb Tpt (Trompeta en Eb)
Tbn (Trombón)
Tba (Tuba)
S.Sax. (Saxo Soprano)

Percusión:
Timp. (Timbales)
Tubular Bells (Campanas Tubulares)
Marimba

Los scores o partituras orquestales son básicamente una partitura grande donde están escritas las notas de todos los instrumentos. Y se lee (y se escribe también) horizontal y verticalmente.

La lectura o escritura horizontal es la línea melódica de cada instrumento, y la lectura y escritura vertical es la armonía o acorde resultante de todas esas notas sonando al mismo tiempo.

En el ejemplo 1 (compases 25 al 30 del 2do movimiento) podes ver esto.

La línea horizontal roja marca la melodía, en este caso del instrumento más agudo que hay ahí, que es el oboe, la línea vertical azul marca la armonía resultante, que es un acorde de Bm/F# y el circulo verde muestra el cifrado del acorde arriba de cada compás.

El cifrado del acorde sobre cada compás facilita  enormemente saber cuál es el acorde que está sonando en ese momento y lo incluí sobre cada compás del score de orquesta así como sobre cada compás de la partitura de la guitarra solista para una rápida y fácil comprensión de la armonía.

Además de formar los acordes y proveer la armonía, los instrumentos de la orquesta también generan melodías secundarias, pequeños motivos melódicos y contra melodías que interactúan y complementan la melodía principal, es este caso tocada por la guitarra solista.

En el ejemplo 2 (que es de la misma hoja que el ej. anterior) se ve como la trompeta en Eb y la Trompa o french horn tocan uno de estos motivos secundarios.

 

Otro ejemplo similar (Ej. 3) ocurre en los compases 19, 20, 23, 24 y 25 del  primer movimiento (Waltz) donde los clarinetes tocan melodías secundarias que interactúan con la melodía principal que toca la guitarra, creando casi como una conversación entre los instrumentos.

 

Otro recurso muy usado durante la Suite es duplicar la melodía solista con algún otro instrumento como los violines o como el oboe en este ejemplo (4) Compases 14 al 16 del 2do movimiento (Love Song)

 

Esta duplicación a veces es una octava más arriba y a veces es en la misma octava de la guitarra, y suma grosor y matiz al sonido final.

Este mismo recurso se repita a lo largo de toda la suite en varios lugares como por ejemplo en el primer movimiento donde a partir del compás 57 cuando la pieza modula a Gm, un saxo alto duplica la melodía de la guitarra solista.

Este es un pequeño resumen de cómo armar un arreglo de orquesta.

En la edición de la Suite completa vas a encontrar muchos más análisis armónicos y recursos de arreglo y orquestación además de las partituras completas con su correspondiente armonía cifrada y simplificada en cada compas.

Para más detalles de la edición y saber cómo adquirirla entra acá:

"the Godfather Suite" Edicion Score

En la próxima entrada voy a hacer un resumen de la parte de guitarra solista.

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YNGWIE MALMSTEEN "Icarus Dream" ARPEGIOS

 

Siguiendo con la entrada anterior que podes ver acá  Adagio hoy dejo los arpegios de guitarra del inicio de “Icarus Dream Suite op 4”

Este tema es, junto a “Far Beyond The Sun” uno de los tracks mas reconocidos de este disco, de hecho, estuvo nominado para un premio Grammy en 1984, lo cual es casi  increíble para un disco debut de un artista que no es estadounidense.

Como su nombre lo indica, es una suite, lo cual quiere decir que tiene varias partes diferentes. La introducción (que publiqué en la entrada anterior) utiliza el famoso adagio de Albinoni y desemboca (Ej.1) en estos arpegios a los 2’27’’.  

Tocados en la tonalidad de Em, con una guitarra acústica y un teclado sutil de fondo, utiliza las triadas de Em, D y C todas con el bajo en E con un pequeño arreglo con ligados al final del 2do compas creando un clima etéreo y cuasi cinematográfico.

Excelente muestra de cómo en solo 2 compases se puede expresar tanto. En mi opinión este es uno de los picos compositivos de Yngwie.  

Esos 2 compases se repiten 8 veces y le sigue una sección modulante de 8 compases (Ej.2) donde entra la melodía principal de esta parte, tocada por el teclado con un sonido de cuerdas, dándole un aire muy clásico. Esta melodía es la que años después Malmsteen utilizó para comenzar su concierto para guitarra y orquesta.

Estos 8 compases, a diferencia de los compases iniciales, están tocados con una guitarra con cuerdas de nylon (posiblemente una Ovation) dándole un sonido mas cálido y con un matiz distinto a los anteriores.

Tocados íntegramente en semicorcheas continuas, son un excelente ejercicio para aprender a arpegiar acordes con una púa.

Los acordes se suceden uno detrás de otro a un promedio de un acorde cada dos tiempos, y en algunos casos uno por tiempo, con varias inversiones y una línea de bajo claramente identificable, que es la que lleva la melodía. Otra clara muestra de composición clásica con enlaces de acordes más cerca de lo orquestal que de un músico de rock.

Y finalmente el Ej.3 es el arpegio final (con el tema ya modulado a la tonalidad de Dm) que suena a los 6’39’’ dándole un final épico, misterioso y de nuevo muy cinematográfico  a todo el tema.

Esta sección, también de 2 compases y de nuevo con guitarra acústica, es esencialmente un arpegio de Dm con una melodía interna y el uso de una nota pedal en la voz del medio, un recurso muy “Bachiano” y yo creo que está inspirado en el reconocido tema “Tubular Bells” de Mike Oldfield que se hizo famoso al aparecer al final de la espectacular película “El Exorcista”

Si no lo escuchaste, te recomiendo que lo hagas y vas a notar un cierto parecido en el clima y el arreglo con este final del tema de Malmsteen.

Todos necesitamos en qué inspirarnos, incluido el mismo Yngwie. De una forma u otra “Icarus Dream” es una verdadera obra maestra del sueco.

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Y. Malmsteen "Icarus Dream Suite op.4" (Adagio de Albinoni)

Cuando en 1984 Yngwie Malmsteen editó su primer disco solista (”Yngwie Malmsteen’s Rising Force”) logró muchas cosas, una de las cuales fue acercar a la música clásica a que gente que no escuchaba ese tipo de música.

La influencia de compositores clásicos (particularmente del barroco) en la música de Yngwie es evidente desde el vamos nomás. Está presente en sus propias composiciones, sean instrumentales o cantadas, y en varios “covers” o rendiciones de pasajes clásicos en sus discos o shows en vivo.

En ese primer disco solista de 1984 Yngwie utilizó una pieza clásica muy conocida como introducción a uno de sus propios temas “Icarus Dream Suite op.4”.

La pieza en cuestión es el “Adagio en Gm” de Tomaso Albinoni, un compositor italiano del periodo barroco.

Esto es lo que dice wikipedia sobre Albinoni y esta pieza:

“Tomaso Giovanni Albinoni (Venecia, 8 de junio de 1671-ibídem, 17 de enero de 1751) fue un compositor italiano del Barroco. En su época fue célebre como compositor de ópera, pero actualmente es conocido sobre todo por su música instrumental, parte de la cual se graba con regularidad. El Adagio en sol menor pretende ser su obra más difundida pese a que, en realidad, se trata de una obra apócrifa compuesta en el siglo xx por el musicólogo y especialista en su obra Remo Giazotto.”

Y acá hay mas data histórica:

Adagio_de_Albinoni

Mas allá de las dudas sobre quién compuso verdaderamente esta pieza, el arreglo de Malmsteen es excelente y genera una introducción muy climática a su propio tema. En sus shows en vivo suele usar este pasaje antes de tocar su clásico “Far Beyond The Sun”

La versión de Yngwie está apoyada sobre los teclados de Jens Johansson, transpuesta a la tonalidad de Em y tocada sobre un tempo más bien libre donde el teclado realiza los muchos cambios de acordes siguiendo la melodía de la guitarra (originalmente tocada por el violín)

El resultado genera un clima dramático y muy intenso y desemboca en los arpegios de guitarra acústica donde comienza su propia composición “Icarus Dream” que voy a publicar en la siguiente entrada.

El arreglo de la armonía o base de acordes (cifrada sobre la partitura) de esta melodía es brillante, con sus acordes en distintas inversiones, su línea de bajo que genera una melodía independiente en sí misma, sus dominantes secundarios y pequeñas transiciones a otras tonalidades, todo en solo 24 compases, mientras que la guitarra lleva la melodía principal con arreglos y floreos varios, utilizando escalas, arpegios, ligados, slides y varios bar scoops (notas articuladas con la palanca) marcado en la trascripción con este símbolo: V

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RITCHIE BLACKMORE: "Wasted Sunsets" Deep Purple

 

En la entrada de hoy dejo mi transcripción de un solo del guitarrista que indudablemente inventó el metal neo-clásico, cuando esa definición estaba aún a décadas de existir. 
Nada más y nada menos que Ritchie Blackmore, un genio musical de “muy mal genio”

Podría escribir párrafos y párrafos sobre las cualidades musicales e inventivas de Blackmore, pero basta con decir que sin él, difícilmente hubieran existido guitarristas tan importantes e influyentes en la historia del metal como Randy Rhoades, Yngwie Malmsteen, e incluso Eddie Van Halen, quien mas allá de la aparente falta de influencia musical de Ritchie en su estilo, él mismo reconoció mas de una vez a Blackmore como una de sus influencias, junto a a Eric Clapton, y Allan Holdsworth.

Las contribuciones de Blackmore al estilo son innumerables, desde riffs y temas históricos como “Smoke on the Wáter”, “Black Night”, “Lazy”, “Woman from Tokyo” con Purple; “Stargazer”, “Gates of Babylon”, “Long Live Rock’n Roll”, “Stone Cold” con Rainbow y solos monumentales como “Highway star”, “Child in Time” “Spotlight Kid”, “Difficult To Cure” y un larguísimo etc. 

El estilo de Blackmore es una conjunción de rock, blues, jazz y música clásica en una cohesión perfecta y equilibrada.

El solo de “Wasted Sunsets” incluido en el disco “Perfect Strangers” de 1984 muestra la capacidad melódica y expresiva de Blackmore para tocar sobre este tipo de progresiones de acordes, en este caso en el tono de Am.

El solo suena a los 1’ 17’’, abarca 16 compases y se desarrolla sobre 2 progresiones de acordes diferentes, que ya sonaron antes en el tema en las estrofas y puentes de la canción.

La combinación de las escalas de Am natural (modo aeolico), Am armónica y Am pentatónica, son un clásico en los solos de Blackmore, ofreciendo mucha variedad melódica y floreos rítmicos utilizando una combinación de ligados, notas punteadas, staccatos y rakes (sweeps sobre cuerdas asordinadas) que acentúan determinadas notas. Todos estos elementos son de uso recurrente en sus solos a lo largo de los años.

Las dos progresiones de acordes sobre las que se desarrolla el solo también muestran recursos de armonía clásica con varios acordes en distintas inversiones dándole una melodía distinguible al bajo.

||: Am F/A  | C/G D/F# | Dm7 Am/C | Esus4/B E :||

| Dm7 G | Am | C G | Am | Dm7 G | Am | C G | D |   

Una combinación de técnica, melodía, fraseo, expresividad y feeling impecables. 

Ritchie Blackmore, un genio que ya quedó eternizado en la historia de la guitarra eléctrica y el hard rock.

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Triadas Abiertas

 

Las triadas abiertas son un recurso más dentro del arsenal musical tanto para la utilización armónica, es decir en bases o progresiones de acordes, como para la utilización melódica, solos, improvisaciones etc. 

Una tríada en posición abierta quiere decir que sus voces o grados, están agrupados de manera tal que superan el rango de una octava.

El Ej.1 muestra claramente en la guitarra de qué se trata esto. Básicamente lo que hacemos es tomar la voz o nota del medio de la triada en su posición original cerrada, y subirla una 8va. De este modo generamos inmediatamente una triada en posición abierta, con el correspondiente cambio sonoro y de amplitud de registro.

Este ejemplo solo muestra las triadas en el grupo de cuerdas mas grave de la guitarra, la idea es desarrollarlo en los demás grupos de cuerdas también, así como aprenderlas también en las otras 3 clases de triadas, es decir, las menores, aumentadas y disminuidas.

El Ej.2 muestra las posibilidades de este recurso aplicados a una sencilla progresión de acordes. El sonido resultante es mas pianístico ya que hay mas “aire” o espacio entre las notas de la triada, dándole un sonido mas abierto, que además es ideal para usar con distorsión, ya que separa las voces de modo tal que queda un bajo por un lado, y las otras dos notas por el otro en el juego de cuerdas intermedio de la viola.

El Ej.3 muestra una idea de aplicación melódica en lugar de armónica. Este ej. corresponde al tema “Cliffs Of Dover” incluido en el CD “Ah Via Musicom” de Eric Johnson, quien suele usar triadas abiertas con mucha frecuencia. Este extracto del solo con el que comienza el tema suena a los 0:11 segundos.

La sucesión de triadas abiertas de este pasaje implica la progresión de acordes:

Am/C, Bm/D, Em/G, Am, G/B, C, D

Técnicamente presenta el uso de gran cantidad de saltos de cuerda requiriendo de gran precisión en la mano derecha para tocarlo limpiamente.

Una vez que entiendas estos ejemplos trata de incorporar la idea a tus bases y solos y vas a contar con un nuevo elemento de creatividad a tu disposición.

Podes ver un magistral ejemplo del uso melódico de las triadas abiertas en la "Partita para violín n°1" de J.S. Bach en una transcripción mía para guitarra que podes encontrar acá:

Parte 1
Parte 2

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KZ4! "Sin Ley" GTR SOLO

Esta es una continuación de la entrada anterior, si no la viste la podes ver acá:

Sin Ley

“Sin Ley” es el primer corte de difusión del disco de KZ4! “Cadenas” grabado en 2013.

La música es de mi autoría y la letra de Enrique Gomez Yafal.

Si no lo escuchaste podes ver el video clip oficial acá:


 

La afinación de todo el disco es de un tono y medio abajo, lo que le da un sonido sumamente denso y pesado. Pero además en este tema (y varios más del disco) la 6ta cuerda está afinada un tono más bajo de lo habitual, lo que sería como un “Drop D” pero un tono y medio más bajo.

Para evitar confusiones esta es la afinación cuerda por cuerda:

6ta: B
5ta: Gb
4ta: B
3ra: E
2da: Ab
1era: Db

En la entrada anterior transcribí los 2 riffs principales del tema, en esta ocasión dejo mi solo de guitarra que suena a los 3’29’’

Para este solo utilicé las escalas de blues de Dm y también la de Dm dórica.

En esta clase de solos típicos de 8 compases, donde no hay demasiado tiempo/espacio para explayarse o tocar demasiadas cosas, me gusta buscar un equilibrio entre melodías y pirotecnia, algo que se aprende a hacer con el oficio y la experiencia.

En este caso en los primeros 4 compases del solo traté de buscar alguna frase o melodía interesante pero no tan convencional o común, utilizando la escala de blues con varios saltos de notas y de registro, y dejé los últimos 4 compases para generar más vértigo y velocidad con una serie de licks en seisillos utilizando taping y ligados para generar contraste y variedad entre las 2 partes..   

Los compases 6 y 7 están basados en la escala de Dm dórica con una secuencia siempre igual donde utilizo un taping y un pull off en la 2da cuerda, y un Hammer en la tercera cuerda. En el primer seisillo del compas numero 7 hay una variación utilizando la primer cuerda también. Debajo de la tablatura está la digitación de mano izquierda.

En la secuencia final, que comienza en la última semicorchea del compas 7 y se prolonga por los siguientes 2 compases, utilizo una nota pedal en la nota C (también con taping) y una serie de notas descendentes (A, Ab, G y F) basadas de nuevo en la escala de blues de Dm, finalizando con un slide, dándole a todo el pasaje un sonido fluido y veloz.

Detalles de equipamiento:

Las guitarras se grabaron en el estudio “La Nave de Oseberg”

El tema fue grabado con una Gibson Les Paul Standard 2001 con los mics Gibson originales 490 y 498 en un canal, y otra Gibson Les Paul Studio 1993 con un set de  micrófonos EMG 81/85 en el otro canal, duplicando la toma. Amplificadas en un cabezal Marshall JCM 2000 dsl de 100 watts en el canal verde (Crunch) con un bafle Marshall clásico con 4 parlantes Celestion de 12 pulgadas y  75watts cada uno y un pedal Visual Sound “Jeckyll & Hyde” usado en el canal verde, que es básicamente una copia fiel de un Ibanez Tube Creamer TS808.

Las cuerdas usadas en las guitarras son Ernie Ball “Beefy Slinky” 0.11 a 0,54 que es prácticamente un encordado 0.12.  Para esta clase de afinación tan baja son ideales para mantener la tensión y la afinación estable.

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KZ4! "SIN LEY"

“Sin Ley” es el primer corte de difusión del disco de KZ4! “Cadenas” grabado en 2013.

La música es de mi autoría y la letra de Enrique Gomez Yafal.

Si no lo escuchaste podes ver el video clip oficial acá:

La afinación de todo el disco es de un tono y medio abajo, lo que le da un sonido sumamente denso y pesado. Pero además en este tema (y varios más del disco) la 6ta cuerda esta afinada un tono más bajo de lo habitual, lo que sería como un “Drop D” pero un tono y medio más bajo.

Para evitar confusiones esta es la afinación cuerda por cuerda:

6ta: B
5ta: Gb
4ta: B
3ra: E
2da: Ab
1era: Db

El tema está en la tonalidad de Dm  y la intro o riff inicial consta de una serie de triadas con suspensiones tocadas en las primeras tres cuerdas y un bajo pedal en D con la 4ta cuerda al aire tocado con palm muting.

Esta clase de triadas con suspensiones (sus2 y sus4) es un recurso muy efectivo para darle variación y tensión a los acordes,  generando una melodía interna entre las voces de las distintas triadas, muy usado en música clásica y popularizado en riffs de hard rock y metal por el eterno y genial Eddie Van Halen.

 Las triadas de este riff son:

Dm, C/D, Csus4/D, C/D, Csus2/D, Bb/D, Bbsus2/D, F/D, Am/D

Rematando toda la progresión en un acorde de G5 tocado simplemente con las 4ta y 3era cuerda al aire, generando casi una patada sonora.

La intro suena 4 veces antes de desembocar en el brutal riff principal, basado en power chords tocados con palm muting en las tres cuerdas graves de la guitarra, generando un contraste armónico,  sonoro y  de textura y registro comparado con el riff anterior que es más sofisticado armónicamente. Esta clase de contrastes son muy efectivos en metal para darle complejidad y elaboración a un tema pero sin perder el peso y la potencia propias del estilo.

Detalles de equipamiento:

Las guitarras se grabaron en el estudio “La Nave de Oseberg”

El tema fue grabado con una Gibson Les Paul Standard 2001 con los mics Gibson originales 490 y 498 en un canal, y otra Gibson Les Paul Studio 1993 con un set de  micrófonos EMG 81/85 en el otro canal, duplicando la toma. Amplificadas en un cabezal Marshall JCM 2000 dsl de 100 watts en el canal verde (Crunch) con un bafle Marshall clásico con 4 parlantes Celestion de 12 pulgadas y  75watts cada uno y un pedal Visual Sound “Jeckyll & Hyde” usado en el canal verde, que es básicamente una copia fiel de un Ibanez Tube Creamer TS808.

Las cuerdas usadas en las guitarras son Ernie Ball “Beefy Slinky” 0.11 a 0,54 que es prácticamente un encordado 0.12.  Para esta clase de afinación tan baja son ideales para mantener la tensión y la afinación estable.

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"TOCCATA Y FUGA EN Dm" J.S. BACH

La Toccata y Fuga en Dm de J. S. Bach no solo es una pieza de una enorme complejidad musical sino que es además una de las obras musicales más populares y conocidas de la historia junto con la 5ta y 9na sinfonías de Beethoven, la Pequeña Serenata Nocturna de Mozart y las 4 estaciones de Vivaldi.

Es sencillamente una genialidad concebida por quién posiblemente sea el músico más influyente de la historia.

Compuesta originalmente para ser ejecutada en órgano, el sonido de esta pieza, particularmente su introducción, está muy vinculado a docenas de películas de terror.

Como cualquier pieza para instrumentos de teclado y 10 dedos, adaptarla a una guitarra implica ciertas reducciones de voces. En este caso aun más, ya que la partitura original incluye no 2, sino 3 pentagramas, uno para la mano izquierda, otro para la derecha y otro para los pedales que se ejecutan con los pies, de donde surgen los sonidos más graves de registro mas bajo.

Una manera de arrimar un poco al sonido monumental del órgano con una simple guitarra eléctrica es agregarle un pedal octavador que sume automáticamente una octava grave a cada nota que se toca en la guitarra, logrando así un sonido más lleno y pesado.

Esta es una pieza de tempo básicamente libre y cambiante en cada sección, te recomiendo que busques alguna versión clásica para tomar algún punto de referencia.

Acá te dejo una muy recomendable:

  

Los primeros 4 compases de la pieza comienzan con la inmortal melodía basada en la escala de Dm Armónica (D E F G A Bb C#) en 3 octavas distintas desembocando en un arpegio de C#dim7 que resuelve sobre un Dsus4 un Dsus2 y finalmente un D Mayor.

De los compases 5 al 8 se produce una escala ascendente en tresillos de semicorcheas basada en la escala de D menor armónica en 2 octavas diferentes.

Los compases 9, 10 y la mitad de 11 están basados en una serie de arpegios descendentes de la armonía de la tonalidad de Dm/F. Estos son:

E° Dm C Bb Am Gm F E° Dm y C#°

Resolviendo sobre un acorde de Dm, seguido una vez más, por un arpegio de C#dim7 seguido de un pequeño pasaje con la escala de Dm melódica (escala “Bachiana” D E F G A B C#) un arpegio de A7, un trino y finalmente el acorde de tónica Dm.

Pronto transcripción completa disponible!

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"NICCOLO" Estudio de sweep picking 4

 

“Niccolo” es un estudio de sweep picking, parte de una composición más grande, inspirada en el violinista italiano Niccolo Paganini, en la que estoy trabajando y que aún está en desarrollo.

Esta sección de arpegios está basada en el Capricho n°1 de Niccolo Paganini que consta básicamente de acordes de 4 notas arpegiados en fusas de manera ascendente y descendente.

Esta nota es una culminación de las tres entradas anteriores, si no las viste te recomiendo que las veas antes de encarar esta parte.

Las podes ver acá:

Niccolo 1
Niccolo 2
Niccolo 3

Si no escuchaste la pieza, la podes escuchar acá:

 

Hoy te dejo la última parte del estudio que está en la tonalidad de A menor armónica, donde también utilizo casi todos los grados de la tonalidad en distintas inversiones (A B° C Dm E F G#°) y además hay un par de dominantes secundarios (A y B) y una serie de inversiones simétricas del acorde G#Dim7

Podes ver la armonía cifrada sobre la partitura.

El estudio es básicamente un constante fluir de fusas sin parar hasta finalizar la sección con una serie de intervalos de 3ras y 6tas y alguna 5ta justa que conforman 2 melodías que se escuchan simultáneamente mas unos acordes en posiciones de triada abierta. Estos son todos recursos muy utilizados en composiciones de violín clásico y suelen ser difíciles de ejecutar con fluidez ya que requieren una buena independencia de dedos de mano izquierda.

La franja de velocidad sugerida entre 75/100 bpm es un buen objetivo técnico, pero lo más probable es que tengas que empezarlo a una velocidad más lenta.

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"NICCOLO" Estudio de Sweep Picking 3

 

“Niccolo” es un estudio de sweep picking, parte de una composición más grande, inspirada en el violinista italiano Niccolo Paganini, en la que estoy trabajando y que aún está en desarrollo.

Esta sección de arpegios está basada en el Capricho n°1 de Niccolo Paganini que consta básicamente de acordes de 4 notas arpegiados en fusas de manera ascendente y descendente.

Esta nota es una continuación de las dos entradas anteriores, si no las viste te recomiendo que las veas antes de encarar esta parte y practiques un poco los ejercicios preliminares que vas a encontrar ahí.

Las podes ver acá:

Niccolo I

Niccolo II

 Si no escuchaste la pieza, la podes escuchar acá:

  

Hoy te dejo la segunda parte del estudio, que modula a la tonalidad de A menor armónica, donde también utilizo casi todos los grados de la tonalidad en distintas inversiones (A B° C Dm E F G#°) y además hay un par de dominantes secundarios (A y B)

Podes ver la armonía cifrada sobre la partitura.

El estudio es básicamente un constante fluir de fusas sin parar hasta finalizar la sección con una serie de intervalos de 3ras y 6tas y alguna 5ta justa que conforman 2 melodías que se escuchan simultáneamente. Este es un recurso muy utilizado en composiciones de violín clásico y suelen ser difíciles de ejecutar con fluidez ya que requieren una buena independencia de dedos de mano izquierda.

La franja de velocidad sugerida entre 75/100 bpm es un buen objetivo técnico, pero lo más probable es que tengas que empezarlo a una velocidad más lenta.

En la próxima entrada publico la última sección.

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