“Braveheart” es el tema que abre el disco de
Yngwie Malmsteen “Facing the Animal”
editado en el año 1997.Es
un tema pesado con unos riffs entre clásicos y épicos con un aire bélico.
La tonalidad
del tema es Am, pero el modo predominante es E frigio dominante o frigio español
(5to modo de la escala menor armónica)
La afinación del tema es de medio tono abajo como casi siempre utiliza Yngwie.
El riff principal (Ej.1) es el clásico
patrón de 4 notas que Malmsteen usa tan seguido, en este caso ascendiendo los
primeros 7 pulsos y luego cambiando la dirección bruscamente y descendiendo los
siguientes 5 pulsos, creando una tensión interesante de 4 notas contra los tresillos
que toca la batería.
En el puente del tema, antes del estribillo suena el segundo riff (Ej.2) también basado en la escala de A
menor armónica, pero ahora sobre la tónica y luego modulando el mismo riff una
4ta arriba a D menor armónica, una típica modulación clásica.
El riff anterior al solo (Ej.3) basado en la escala menor natural
o aeolica, está en la tonalidad de Bm
y hace uso de la nota pedal B que se intercala constantemente usando la 2da
cuerda al aire, y como en el riff anterior, luego modula una 4ta arriba a la
tonalidad de Em.
Este riff de
aire celta es prácticamente igual que el que años antes había usado Gary Moore en su tema “Over the Hills and Far Away”.
Posiblemente sea alguna melodía tradicional de origen celta.
Te dejo una versión mía en vivo de 1999 con mi banda Magiar.
La afinación
de este disco es de medio tono abajo.
El solo
entra a los 3’31’’ sobre la última vocalización
de Yafal y comienza con una serie de arpegios de G#dim7 que suenan sobre el dominante de la tonalidad (E7) y están tocados con la púa alternada
(no con sweeps) y unos pocos ligados descendentes (pull offs) y dan paso al
solo central que modula a la tonalidad de C#m.
Los compases
4, 5 y 6 están basados en la superposición
de las escalas de blues y dórica de C#m mas alguna nota de paso al final, y
está íntegramente ejecutado con la técnica de púa alternada.
Este es un solo de una dificultad considerable ya que el tempo es rápido y la agrupación
de las notas es muy espontánea y libre, generando unas figuras rítmicas
complejas y aleatorias. Los acentos que figuran en el pentagrama te van a ayudar a entender mejor el mecanismo
interno de las frases.
Acá
podes mirar esta nota relacionada sobre cómo interpretar esta clase de figuras rítmicas
complejas
En el último
pulso del compas 6 y el primero del compas 7 hay un arpegio de C#m que
comienza con un sweep de 3 cuerdas y el resto de las notas están ligadas,
incluyendo un taping en el traste 21 de la 1er cuerda.
En los compases 11, 12, 13 y 14 suena
un lick con taping que es básicamente una secuencia de 3 notas pero tocada en
semicorcheas, es decir agrupada a 4 notas por pulso, lo que genera un
desplazamiento rítmico que hace que la frase suene mas interesante y menos
cuadrada.
El
solo termina con una melodía ascendente tocada con tremolo picking y un arpegio
de G#dim7 secuenciado (también con
la púa alternada) que devuelve el tema a su tonalidad original de Am y da paso al solo de Daniel Telis.
LaSuite
de la película “El Padrino”
inmortalizó la música de Nino Rota dejando
en el inconsciente colectivo algunas melodías memorables.
Cuando decidí grabar mi propia versión de la Suite lo primero que hice fue
buscar el score o partitura orquestal completa en internet, cosa que NO
conseguí, de modo que busqué un par de versiones en YouTube y me puse a sacar
de oído la armonía general y las líneas melódicas de los distintos grupos de
instrumentos y escribir nota por nota de cada instrumentoen el editor de música que uso que es el Sibelius.
Luego dividí la Suite en 4 partes o movimientos:
1-Waltz
2-Love Song
3-The New Godfather
4- Heavy
Acá podes escuchar mi versión de la
Suite de “The Godfather”
En la nota
anterior escribí un poco sobre la orquestación y los instrumentos que usé para
armarla, hoy voy a hablar del instrumento solista, en este caso la guitarra,
que es la responsable de llevar la mayoría de las melodías principales.
Para un análisis completo y detallado de la orquestación, la guitarra y de la
pieza en general está disponible la edición con la transcripción completa de
toda la suite:
Esta edición incluye 2 libros PDFde 81 páginas en total, uno con el score orquestal completo y el
otro con la guitarra solista.
Además incluye 9 pistas o tracks de
audio:
La versión final
las 4 pistas originales de Orquesta
para tocarlo encima
Y las 4 pistas de la guitarra solista
aislada para escucharla en más detalle.
Las distintas melodías que van apareciendo a lo largo de la suite, son
ejecutadas por distintos instrumentos como los primeros violines, el oboe, el
clarinete, la trompeta y la mandolina.
Cada uno de
estos instrumentos posee su propio timbre, dinámica y registro. Traté de
adaptar cada una de esas melodías con la guitarra usando distintas octavas y
técnicas (ligados, slides, estiradas, palanca etc.) para darle la mayor
expresividad y dinamismo posibles.
Las 2 escalas más utilizadas a lo largo de toda la pieza son la escala diatónica en sus dos modos mas
usados, el jónico (escala mayor) y
el aeólico (escala menor natural) y
la otra escala es la escala menor armónica. En el tercer movimiento “The New Godfather” hay un uso bastante
notorio de arpegios aumentados (T 3 #5) y
en el4to movimientolas escalas pentatónica yde blues en algunos pasajes de los solos de
guitarra.
Durante el total de la suite utilicé 6 tonalidades diferentes
Cm
Dm
Gm
F#m
C#m
Em
Las tonalidades y las melodías que aparecen a lo largo de la pieza son las
originales, menos los 2 solos de guitarra que aparecen en el 4to movimiento “Heavy” y la tonalidad de Em a la que decidí
modular la pieza para hacerlos y luego retomar las melodías principales hasta
el final.
Ej ej 1 es la primer melodía que
suena en la pieza, y una de las más reconocibles. Esta melodía la ejecuta
originalmente una trompeta.
Está en la
tonalidad de Cm y se toca con un
ritmo relativamente libre ya que es básicamente un solo, sin ninguna armonía ni
acompañamiento de ningún otro instrumento.
Una vez que
se introduce esta melodía la pieza modula subiendo 1 tono a la tonalidad de Dm y entra parte de la orquesta y los
instrumentos de madera tocan la misma melodía pero ahora 1 tono arriba.
Los slides, ligados y estiradas le otorgan más expresividad a la melodía tocada
en la guitarra.
El ej 2 es la melodía principal del
segundo movimiento “Love Song” y posiblemente
la más conocida de todas. También en la tonalidad de Dm, esta misma melodía la
vuelvo a retomar en el 4to movimiento pero subiéndola un tono a Em para el final.
El ej 3 muestra la introducción del
3er movimiento “The New Godfather”
Este movimiento tiene un introducción
con un sonido misterioso y la inclusión de 2 instrumentos menos tradicionales
como la Marimba, que es un
instrumento percusivo que se golpea con unos mazos y produce distintas notas y
las campanas tubulares, que es
también otro instrumento de percusión con otro timbre y potencia. A esos
instrumentos se le suma una flauta traversa, la sección de cuerdas menos el
contrabajo y la guitarra.
Las cuerdas generan un tremolo
constante con una nota pedal permanente en C,
menos el 2do violín que toca una nota G,
creando un C5 continuo, sobre el
cual la guitarra, la flauta, la marimba y las campanas tubulares forman una
serie de acordes de 5ta justa con saltos y movimientos cromáticos terminando en
un G5/C donde termina la breve
introducción orquestal y da paso al solo de guitarra que se desarrolla
mayormente en la tonalidad de C#m
El ej 4 muestra un pequeño arreglo que
hice para darle mayor fuerza y sorpresa a las melodías finales.
Es un ensamble octavado entre la guitarra, los 2 primeros violines y la viola,
cada uno en su registro tocando una frase con la escala de blues de Em que da
paso a la melodía final por última vez en la pieza.
La Suite de la película “El Padrino” inmortalizó la música de Nino Rota dejando en el inconsciente colectivo algunas melodías memorables.
(Nino Rota 1911/1979)
Cuando decidí grabar mi propia versión de la Suite lo primero que hice fue
buscar el score o partitura orquestal completa en internet, cosa que NO
conseguí, de modo que busqué un par de versiones en YouTube y me puse a sacar de
oído la armonía general y las líneas melódicas de los distintos grupos de
instrumentos y escribir nota por nota de cada instrumentoen el editor de música que uso que es el Sibelius.
Luego dividí la Suite en 4 partes o movimientos:
1-Waltz
2-Love Song
3-The New Godfather
4- Heavy
Acá podes escuchar mi versión de la
Suite de “The Godfather”
“The Godfather Suite” Arreglo para Guitarra y
orquesta
En esta entrada y la siguiente voy a escribir un poco sobre este proyecto y presentar
la transcripción y score completo de toda la Suite
Esta edición incluye: 2 librosde 81 páginas en total, uno con el score orquestal completo y el
otro con la guitarra solista.
Además incluye 9 pistas o tracks de
audio,
La versión final Las 4 pistas originales de Orquesta
para tocarlo encima
Y las 4 pistas de la guitarra solista
aislada para escucharla en más detalle.
Básicamente una orquesta es como un instrumento musical gigante con un rango dinámico y
sonoro enorme, desde las notas más bajas o graves hasta las más agudas, y desde
los sonidos más suaves hasta los más poderosos y estridentes.
Suele dividirse (dependiendo el tamaño de la orquesta) en 4 grandes grupos de instrumentos:
los clásicos instrumentos de cuerda, los poderosos metales, las maderas, y la sección
de instrumentos de percusión.
Los instrumentos:
Este es el total de instrumentos que utilicé a lo largo de los 4 movimientos.
Algunos instrumentos solo aparecen en un movimiento, otros como la sección
de cuerdas están presentes en los 4.
La banda de rock solo aparece en el último movimiento (Heavy)
Los scores o partituras orquestales son básicamente una partitura grande donde
están escritas las notas de todos los instrumentos. Y se lee (y se escribe
también) horizontal y verticalmente.
La lectura o escritura horizontal es
la línea melódica de cada instrumento, y la lectura y escritura vertical es la armonía
o acorde resultante de todas esas notas sonando al mismo tiempo.
En el ejemplo 1 (compases 25 al 30
del 2do movimiento) podes ver esto.
La línea horizontal roja marca la melodía, en
este caso del instrumento más agudo que hay ahí, que es el oboe, la línea vertical
azul marca la armonía resultante, que es un acorde de Bm/F# y el circulo verde muestra el cifrado del acorde arriba de
cada compás.
El cifrado del acorde sobre cada compás
facilita enormemente saber cuál es el
acorde que está sonando en ese momento y lo incluí sobre cada compás del score
de orquesta así como sobre cada compás de la partitura de la guitarra solista
para una rápida y fácil comprensión de la armonía.
Además de formar los acordes y proveer la armonía,
los instrumentos de la orquesta también generan melodías secundarias, pequeños
motivos melódicos y contra melodías que interactúan y complementan la melodía
principal, es este caso tocada por la guitarra solista.
En el ejemplo 2 (que es de la misma
hoja que el ej. anterior) se ve como la trompeta en Eb y la Trompa o french horn tocan uno de estos motivos
secundarios.
Otro ejemplo similar (Ej. 3) ocurre en los compases
19, 20, 23, 24 y 25 del primer
movimiento (Waltz) donde los
clarinetes tocan melodías secundarias que interactúan con la melodía principal que
toca la guitarra, creando casi como una conversación entre los instrumentos.
Otro recurso muy usado durante la
Suite es duplicar la melodía solista con algún otro
instrumento como los violines o como el oboe en este ejemplo (4) Compases 14 al 16 del 2do movimiento (Love Song)
Esta duplicación a veces es una octava
más arriba y a veces es en la misma octava de la guitarra, y suma grosor y
matiz al sonido final.
Este mismo recurso se repita a lo largo de toda la suite en varios lugares como
por ejemplo en el primer movimiento donde a partir del compás 57 cuando la pieza
modula a Gm, un saxo alto duplica la
melodía de la guitarra solista.
Este es un pequeño resumen de cómo armar un arreglo de orquesta.
En la edición de la Suite completa vas a encontrar muchos más análisis armónicos
y recursos de arreglo y orquestación además de las partituras completas con su
correspondiente armonía cifrada y simplificada en cada compas.
Para más detalles de la edición y saber cómo adquirirla
entra acá:
Siguiendo con la entrada anterior que podes ver acá Adagio hoy dejo
los arpegios de guitarra del inicio de “Icarus Dream Suite op 4”
Este tema es, junto a “Far Beyond The Sun” uno de los tracks
mas reconocidos de este disco, de hecho, estuvo nominado para un premio Grammy
en 1984, lo cual es casi increíble para
un disco debut de un artista que no es estadounidense.
Como su nombre lo indica, es una suite, lo cual quiere decir
que tiene varias partes diferentes. La introducción (que publiqué en la entrada
anterior) utiliza el famoso adagio de Albinoni y desemboca (Ej.1) en estos arpegios a los 2’27’’.
Tocados en la tonalidad de Em, con una guitarra acústica y un
teclado sutil de fondo, utiliza las triadas de Em, D y C todas con el bajo en E con un pequeño arreglo con ligados
al final del 2do compas creando un clima etéreo y cuasi cinematográfico.
Excelente muestra de cómo en solo 2 compases se puede
expresar tanto. En mi opinión este es uno de los picos compositivos de Yngwie.
Esos 2 compases se repiten 8 veces y le sigue una sección modulante de 8
compases (Ej.2) donde entra la melodía
principal de esta parte, tocada por el teclado con un sonido de cuerdas, dándole
un aire muy clásico. Esta melodía es la que años después Malmsteen utilizó para
comenzar su concierto para guitarra y orquesta.
Estos 8 compases, a diferencia de los compases iniciales, están
tocados con una guitarra con cuerdas de nylon (posiblemente una Ovation) dándole
un sonido mas cálido y con un matiz distinto a los anteriores.
Tocados íntegramente en semicorcheas continuas, son un
excelente ejercicio para aprender a arpegiar acordes con una púa.
Los acordes se suceden uno detrás de otro a un promedio de
un acorde cada dos tiempos, y en algunos casos uno por tiempo, con varias inversiones
y una línea de bajo claramente identificable, que es la que lleva la melodía.
Otra clara muestra de composición clásica con enlaces de acordes más cerca de
lo orquestal que de un músico de rock.
Y finalmente el Ej.3
es el arpegio final (con el tema ya modulado a la tonalidad de Dm) que suena a
los 6’39’’ dándole un final épico, misterioso y de nuevo muy cinematográfico a todo el tema.
Esta sección, también de 2 compases y de nuevo con guitarra acústica, es esencialmente
un arpegio de Dm con una melodía interna y el uso de una nota pedal en la voz
del medio, un recurso muy “Bachiano” y yo creo que está inspirado en el
reconocido tema “Tubular Bells” de Mike
Oldfield que se hizo famoso al aparecer al final de la espectacular película
“El Exorcista”
Si no lo escuchaste, te recomiendo que lo hagas y vas a
notar un cierto parecido en el clima y el arreglo con este final del tema de
Malmsteen.
Todos necesitamos en qué inspirarnos, incluido el mismo Yngwie.
De una forma u otra “Icarus Dream” es una verdadera obra maestra del sueco.
Cuando en 1984 Yngwie Malmsteen editó su primer disco
solista (”Yngwie Malmsteen’s Rising
Force”) logró muchas cosas, una de las cuales fue acercar a la música clásica
a que gente que no escuchaba ese tipo de música.
La influencia de compositores clásicos (particularmente del
barroco) en la música de Yngwie es evidente desde el vamos nomás. Está presente
en sus propias composiciones, sean instrumentales o cantadas, y en varios “covers”
o rendiciones de pasajes clásicos en sus discos o shows en vivo.
En ese primer disco solista de 1984 Yngwie utilizó una pieza
clásica muy conocida como introducción a uno de sus propios temas “Icarus Dream Suite op.4”.
La pieza en cuestión es el “Adagio en Gm” de Tomaso
Albinoni, un compositor italiano del periodo barroco.
Esto es lo que dice wikipedia sobre Albinoni y esta pieza:
“Tomaso Giovanni Albinoni (Venecia, 8 de junio de 1671-ibídem, 17 de enero de 1751) fue un compositoritaliano del Barroco. En su época fue célebre como compositor de ópera, pero actualmente es conocido sobre todo por su música
instrumental, parte de la cual se graba con regularidad. El Adagio en sol menor pretende ser su obra más difundida pese a que, en
realidad, se trata de una obra apócrifa compuesta en el siglo xx por el musicólogo y especialista en su obra Remo Giazotto.”
Mas allá de las dudas sobre quién compuso verdaderamente esta pieza, el arreglo
de Malmsteen es excelente y genera una introducción muy climática a su propio
tema. En sus shows en vivo suele usar este pasaje antes de tocar su clásico “Far Beyond The Sun”
La versión de Yngwie está apoyada sobre los teclados de Jens
Johansson, transpuesta a la tonalidad de Em
y tocada sobre un tempo más bien libre donde el teclado realiza los muchos
cambios de acordes siguiendo la melodía de la guitarra (originalmente tocada
por el violín)
El resultado genera un clima dramático y muy intenso y
desemboca en los arpegios de guitarra acústica donde comienza su propia composición
“Icarus Dream” que voy a publicar en la siguiente entrada.
El
arreglo de la armonía o base de acordes (cifrada sobre la partitura) de esta melodía
es brillante, con sus acordes en distintas inversiones, su línea de bajo que
genera una melodía independiente en sí misma, sus dominantes secundarios y
pequeñas transiciones a otras tonalidades, todo en solo 24 compases, mientras
que la guitarra lleva la melodía principal con arreglos y floreos varios,
utilizando escalas, arpegios, ligados, slides y varios bar scoops (notas articuladas con la palanca) marcado en la trascripción
con este símbolo: V
En la
entrada de hoy dejo mi transcripción de un solo del guitarrista que
indudablemente inventó el metal
neo-clásico, cuando esa definición estaba aún a décadas de existir.
Nada más y nada menos que Ritchie
Blackmore, un genio musical de “muy mal genio”
Podría
escribir párrafos y párrafos sobre las cualidades musicales e inventivas de
Blackmore, pero basta con decir que sin él, difícilmente hubieran existido
guitarristas tan importantes e influyentes en la historia del metal como Randy Rhoades, Yngwie Malmsteen, e
incluso Eddie Van Halen, quien mas allá
de la aparente falta de influencia musical de Ritchie en su estilo, él mismo
reconoció mas de una vez a Blackmore como una de sus influencias, junto a a Eric Clapton, y Allan Holdsworth.
Las contribuciones de Blackmore al estilo son
innumerables, desde riffs y temas históricos como “Smoke on the Wáter”, “Black
Night”, “Lazy”, “Woman from Tokyo” con Purple; “Stargazer”, “Gates of Babylon”,
“Long Live Rock’n Roll”, “Stone Cold” con Rainbow y solos monumentales como
“Highway star”, “Child in Time” “Spotlight Kid”, “Difficult To Cure” y un
larguísimo etc.
El estilo de Blackmore
es una conjunción de rock, blues, jazz y música clásica en una cohesión
perfecta y equilibrada.
El solo de “Wasted Sunsets” incluido en el
disco “Perfect Strangers” de 1984
muestra la capacidad melódica y expresiva de Blackmore para tocar sobre este
tipo de progresiones de acordes, en este caso en el tono de Am.
El
solo suena a los 1’ 17’’, abarca 16 compases y se desarrolla sobre 2
progresiones de acordes diferentes, que ya sonaron antes en el tema en las
estrofas y puentes de la canción.
La combinación
de las escalas de Am natural (modo
aeolico), Am armónica y Am pentatónica, son un clásico en los solos de
Blackmore, ofreciendo mucha variedad melódica y floreos rítmicos utilizando una
combinación de ligados, notas punteadas, staccatos y rakes (sweeps sobre
cuerdas asordinadas) que acentúan determinadas notas. Todos estos elementos son de
uso recurrente en sus solos a lo largo de los años.
Las dos
progresiones de acordes sobre las que se desarrolla el solo también muestran
recursos de armonía clásica con varios acordes en distintas inversiones dándole
una melodía distinguible al bajo.
||: Am F/A | C/G D/F# | Dm7 Am/C | Esus4/B E :||
| Dm7 G | Am
| C G | Am | Dm7 G | Am | C G | D |
Una combinación
de técnica, melodía, fraseo, expresividad y feeling impecables.
Ritchie Blackmore, un genio que ya quedó eternizado en la historia de la guitarra eléctrica y el hard rock.
Las triadas abiertas son un recurso más dentro
del arsenal musical tanto para la utilización armónica, es decir en bases o
progresiones de acordes, como para la utilización melódica, solos,
improvisaciones etc.
Una tríada en posición abierta quiere decir que
sus voces o grados, están agrupados de manera tal que superan el rango
de una octava.
El Ej.1
muestra claramente en la guitarra de qué se trata esto. Básicamente lo que
hacemos es tomar la voz o nota del medio de la triada en su posición original
cerrada, y subirla una 8va. De este modo generamos inmediatamente una triada en
posición abierta, con el correspondiente cambio sonoro y de amplitud de
registro.
Este ejemplo solo muestra las triadas en el
grupo de cuerdas mas grave de la guitarra, la idea es desarrollarlo en los demás
grupos de cuerdas también, así como aprenderlas también en las otras 3 clases
de triadas, es decir, las menores, aumentadas y disminuidas.
El Ej.2
muestra las posibilidades de este recurso aplicados a una sencilla progresión
de acordes. El sonido resultante es mas pianístico ya que hay mas “aire” o
espacio entre las notas de la triada, dándole un sonido mas abierto, que además
es ideal para usar con distorsión, ya que separa las voces de modo tal que
queda un bajo por un lado, y las otras dos notas por el otro en el juego de
cuerdas intermedio de la viola.
El Ej.3
muestra una idea de aplicación melódica en lugar de armónica. Este ej.
corresponde al tema “Cliffs Of Dover” incluido en el CD “Ah Via Musicom” de Eric Johnson, quien suele usar triadas abiertas con mucha
frecuencia. Este extracto del solo con el que comienza el tema suena a los 0:11
segundos.
La sucesión de triadas abiertas de este pasaje
implica la progresión de acordes:
Am/C, Bm/D, Em/G, Am, G/B, C, D
Técnicamente presenta el uso de gran cantidad
de saltos de cuerda requiriendo de gran precisión en la mano derecha para
tocarlo limpiamente.
Una vez que entiendas estos ejemplos trata de
incorporar la idea a tus bases y solos y vas a contar con un nuevo elemento de
creatividad a tu disposición.
Podes ver un magistral ejemplo del uso melódico de las triadas abiertas en la "Partita para violín n°1" de J.S. Bach en una transcripción mía para guitarra que podes encontrar acá:
“Sin
Ley” es el primer corte de difusión del disco de KZ4! “Cadenas” grabado en
2013.
La música es de mi autoría y la letra de Enrique Gomez
Yafal.
Si
no lo escuchaste podes ver el video clip oficial acá:
La afinación de todo el disco es de un tono y medio abajo, lo que le da un sonido sumamente
denso y pesado. Pero además en este tema (y varios más del disco) la 6ta cuerda
está afinada un tono más bajo de lo habitual, lo que sería como un “Drop D”
pero un tono y medio más bajo.
Para evitar confusiones esta es la afinación cuerda por cuerda:
6ta: B
5ta: Gb
4ta: B
3ra: E
2da: Ab
1era: Db
En la entrada anterior transcribí los 2 riffs principales del
tema, en esta ocasión dejo mi solo de guitarra que suena a los 3’29’’
Para este solo utilicé las escalas de blues de Dm y también la de Dm dórica.
En esta clase de solos típicos de 8 compases, donde no hay
demasiado tiempo/espacio para explayarse o tocar demasiadas cosas, me gusta
buscar un equilibrio entre melodías y pirotecnia, algo que se aprende a hacer
con el oficio y la experiencia.
En este caso en los primeros 4 compases del solo traté de
buscar alguna frase o melodía interesante pero no tan convencional o común, utilizando
la escala de blues con varios saltos de notas y de registro, y dejé los últimos
4 compases para generar más vértigo y velocidad con una serie de licks en seisillos
utilizando taping y ligados para generar contraste y variedad entre las 2
partes..
Los compases 6 y 7 están basados en la escala de Dm dórica con
una secuencia siempre igual donde utilizo un taping y un pull off en la 2da
cuerda, y un Hammer en la tercera cuerda. En el primer seisillo del compas
numero 7 hay una variación utilizando la primer cuerda también. Debajo de la
tablatura está la digitación de mano izquierda.
En la secuencia final, que comienza en la última semicorchea
del compas 7 y se prolonga por los siguientes 2 compases, utilizo una nota
pedal en la nota C (también con taping) y una serie de notas descendentes (A, Ab, G y F) basadas de nuevo en la
escala de blues de Dm, finalizando con un slide, dándole a todo el pasaje un
sonido fluido y veloz.
Detalles de equipamiento:
Las guitarras se grabaron en el estudio “La Nave de Oseberg”
El tema fue grabado con una Gibson Les Paul Standard 2001 con los mics Gibson originales 490 y 498 en un canal, y otra Gibson Les Paul Studio 1993 con un set de micrófonos EMG 81/85 en el otro canal, duplicando la toma. Amplificadas en un cabezal Marshall JCM 2000 dsl de 100 watts en el canal verde (Crunch) con un bafle Marshall clásico con 4 parlantes Celestion de 12 pulgadas y 75watts cada uno y un pedal Visual Sound“Jeckyll & Hyde” usado en el canal verde, que es básicamente una copia fiel de un Ibanez Tube Creamer TS808.
Las cuerdas usadas en las guitarras son Ernie Ball “Beefy Slinky” 0.11 a 0,54 que es prácticamente un encordado 0.12.Para esta clase de afinación tan baja son ideales para mantener la tensión y la afinación estable.
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