El disco “Machine Head” de Deep Purple editado en 1972 es un disco
histórico, no solo dentro de la gran discografía de la banda, sino para la
historia del rock y del metal también. Contiene una cantidad de clásicos inoxidables
como “Highway Star”, “Pictures of Home” y el ultra conocido “Smoke on the Water”. No hay desperdicio
ni tema de relleno en este discazo y una de las perlas del disco es “Lazy”.
Lazy es una mezcla de rock 'n roll, blues y swing con un dejo de jazz que habla
muy claramente del calibre y la calidad de estos 5 músicos.
El riff principal, basado en la escala de blues, con un uso extensivo de la “blue note” o quinta bemol (b5), es una lección
de swing y fraseo fluido y melódico.
El tema comienza con un solo de teclado del gigante Jon Lord y desemboca en el riff principal de guitarra en el muy
inusual tono de Fm. La tonalidad de
Fm es muy poco usada en rock, la mayoría de los temas normalmente estarían un
semitono abajo en E, o un semitono arriba en F#, tonalidades mucho más
convencionales para el rock/metal.
La métrica es de 12/8 y
el riff en su versión completa abarca 12 compases. En el medio hay una pequeña improvisación
de otros 8 compases de Blackmore y luego
retoma el riff una vez más, agregándole los 4 compases faltantes de la primer
parte, antes de empezar las siguientes improvisaciones de Blackmore y después de
Lord, ya con toda la banda sonando y siempre manteniéndose en la tonalidad de
Fm.
La progresión de acordes sobre la que desarrollan estas zapadas es la
siguiente:
|: Fm | Fm | Fm | Fm |
| Bbm | Bbm | Fm | Fm |
| Ab | Eb/G | Fm | C7#5 :|
En esa estructura se ve la gran similitud con el clásico blues de 12 compases.
El sonido diferente se lo da más que nada el hecho de que está en una tonalidad
menor, acercando el sonido al estilo de gypsy
jazz.
Una vez terminadas las improvisaciones el tema vuelve al riff principal y sube
un tono a la tonalidad de G donde se
desarrolla la parte vocal sobre la misma progresión de acordes, pero ahora
transpuesta a G y finalmente vuelve a subir otro tono, a la tonalidad de A, para el solo final de Ritchie. Pura
magia.
Qué
es un riff, además de la icónica banda de Pappo, Vitico, Boff y Michel?
La palabra riff no es un término musical o técnico real, es más bien un slang
que se usa en música (sobre todo en rock) para denominar una frase musical que
se repite varias veces de forma cíclica. El término musical más similar a riff,
sería “ostinato”, que es la palabra
que se usa en música clásica para denominar prácticamente lo mismo.
Esta frase o línea musical puede estar formada por notas simples, acordes o una
mezcla de ambos, y puede tener distinto tipo de duración o longitud.
En rock, hard rock y metal, el riff es un recurso que se utiliza contantemente
y es una de las características más identificables del estilo.
La duración o longitud de los riffs depende del caso, pero por lo general, no
suele superar los 4 compases, ya que parte de la gracia es que sea rápidamente memorable,
y en lo posible, que también se pueda cantar. Esa es una de las claves de los riffs
gancheros, que quedan rápidamente en la memoria del oyente.
El Ej. 1 muestra un riff de 4
compases formado por acordes de 5ta invertidos (4tas) y que posiblemente sea
uno de los riffs más famosos de la historia del rock, nada más y nada menos que
el riff de “Smoke on the Water” de Deep
Purple, compuesto en el tono de Gm.
El Ej. 2 también de 4 compases, es
el riff de “2 Minutes To Midnight” de Iron
Maiden. Está en la tonalidad de Am y formado por una serie de acordes de
4tas, o 5tas invertidas, alternados con un bajo o nota pedal en A.
El Ej. 3 es un clásico riff de 2
compases creado por el padre del riff,
el gran Tony Iommi, que corresponde
al tema “Iron Man” de Black
Sabbath, en este caso armado con acordes de 5ta justa en la tonalidad de Bm
creando uno de los riffs más famosos y pesados de la historia.
El Ej. 4 también de 2 compases de
longitud, es el riff central de “You Give Love A Bad Name” de Bon jovi armado con notas simples (single
notes) en el registro grave de la guitarra y en la tonalidad de Cm.
El Ej. 5 es un riff de 1 solo
compas, y es el riff principal de “Welcome To The Jungle” de Guns ‘n Roses en Am dórica y usando acordes de 5ta justa.
El Ej. 6 es otro riff de un solo
compas de duración usando single notes y el A como nota pedal con la cuerda al
aire y corresponde al inmortal “Sucio Y Desprolijo” de Pappo’s Blues.
La Sinfonía n°40 en
Gm de W.A.Mozart no solo tiene una
de las melodías más conocidas e icónicas de Mozart, sino una de las melodías más
conocidas de la historia de la música, ahí arriba en el “Top 5” de las melodías clásicas, junto a los monstruos sagrados de
Beethoven, Bach y Vivaldi.Algo
así como los greatest hits de la música
clásica, donde también se podrían agregar melodías inmortales de Strauss y Tchaicovsky.
Esta
melodía está compuesta en la tonalidad de Gm
(relativa de Bb mayor) y utiliza
fundamentalmente la escala de G menor armónica
(G A Bb C D E F#)
Está armada en 2 partes. Los primeros 4 compases utilizando una figura rítmica simétrica
y el uso de notas repetidas, armonizadas con la tónica (Gm) el segundo grado
(Am7b5) y el dominante (D7) de
la tonalidad, en distintas inversiones para darle al bajo un movimiento
distintivo.
Y los siguientes 4 compases con una contra melodía armonizada con el 7 grado (F#dim7)invertido(Cdim7)
la tónica en primera inversión (Gm/Bb)
y un ii V I (Em7b5-Eb7-D) secundario
para volver a la tónica de Gm.
Crear esta clase de melodías sencillas, gancheras y fácilmente memorables, pero
a la vez sofisticadas e impecablemente armonizadas y orquestadas, es una de las
razones por las cuáles Mozart fue, es y será uno de los más grandes genios
musicales de la historia.
Hace ya bastante tiempo publiqué en este blog la melodía central de “La Pantera Rosa”, composición del
genial Henri Mancini. Hoy dejo una transcripción
para guitarra de la 2da parte, la parte mas jazzera con la big band.
Podes ver la 1er parte acá:
La segunda parte de esta inmortal composición está tocada por una típica big band de jazz con los caños
(trombones, trompetas, saxos etc.) como protagonistas principales y básicamente
va formando un ensamble de acordes que es simplemente genial.
Esta sección comienza a los 0’45’’
Vale aclarar que saqué todo esto completamente de oído y desde ya que hay que
reducir voces y notas para tocarlo con una sola guitarra, pero el resultado es
muy cercano a la versión original.
Ponerle nombre a todos estos acordes bastante neutros y con voces recortadas es
un poco arbitrario pero el cifrado que hay sobre la partitura es una buena orientación
de la armonía general subyacente y la interacción con el bajo.
Los acordes que mas aparecen son acordes menor
6ta (Gm6, Bbm6 etc.) con un par de variantes menor6/9. Sin embargo en la partitura vas a notar que todos estos acordes están invertidos y
la tónica es la nota o voz más aguda.
En la versión orquestal es el bajo el que suele tocar esa nota en el registro
grave
Por ejemplo un Gm6 (que es mayormente
la tónica de toda esta sección) está formado por estos intervalos:
T b3 5 6
Gm6: G Bb D E
Si ves el acorde en la transcripción vas a ver que las notas están en este orden
de grave a agudo:
E, Bb, D G
Resultando lo mismo que si fuera un acorde de Em7b5.
El acorde menor 7 con la quinta bemol
(m7b5) también conocido como “semidismunuido”
está formado por estos intervalos:
T b3 b5 b7
Em7b5: E, G, Bb, D
Como podes ver ahí, las notas de un Gm6
son exactamente las mismas
que las de un Em7b5
El voicing o inversión utilizado en casi todos estos acordes es siempre el
mismo
Hay varias melodías entre los acordes y están mayormente basadas (al igual que
en la primer parte) en la escala de blues, en este caso la de Gm y la de Bbm.
También aparecen dos acordes de 7 dominante, el Eb7 y el D7#9, este último
un típico acorde que se escucha en blues.
El otro recurso que se escucha varias veces es el acorde de paso o aproximación desde medio tono abajo, por ej F#m6/Gm6 o Am6/Bbm6 etc.
En resumen 15 compases geniales con sonido jazzero y color rosa.
Al Di Meola es
uno de los guitarristas más importantes de la historia con una discografía
enorme y amplia en cuanto a estilos, que van desde el jazz, rock/fusión, tango,
world music etc.
A
lo largo de su gigantesca carrera ha tocado con muchos músicos notables como Chick Corea, Stanley Clarke, John
McLaughlin, Paco De Lucia, Larry Coryell y muchos otros.
Su discografía es tan extensa y variada que es difícil elegir o recomendar por dónde
empezar, pero si no escuchaste mucho de Di Meola podes empezar por algunos de
sus discos más reconocidos y clásicos como “Elegant
Gypsy” (1977) el disco en vivo “Tour
de Force” (1982) “World Sinfonia”
(1991) “Di Meola plays Piazzolla”
(1996) y el antológico “Friday Night in
San Francisco” (1981) junto a John
McLaughlin y Paco De Lucia.
Di Meola fue uno de los primeros guitarristas eléctricos en desarrollar la
velocidad con la técnica de púa alternada y fue influencia en guitarristas como
Yngwie Malmsteen, Paul Gilbert, John
Petrucci, Steve Morse y otros monstruos de la guitarra.
Pero también es un virtuoso con la guitarra acústica, particularmente con las
cuerdas de metal. Una de las características más sobresalientes es su capacidad
de tocar secuencias de arpegios veloces y complejas con la púa, algo que no es
nada fácil de hacer.
Para esta nota elegí 4 pasajes que son representativos de esta técnica.
El Ej. 1 es la introducción de “Mediterranewan Sundance”, uno de los
temas más conocidos de Al, incluido en el disco “Elegant Gypsy” (1977) y también en el disco en vivo “Friday
Night…” con John y Paco.
Es básicamente un arpegio que implica los acordes de Amadd9, Am, C, Am en los primeros 2 compases y después resuelve en
un arpegio de Emadd9
El Ej. 2 es la introducción de “Fantasia Suite” incluido en el disco “Casino” (1978) y también está en el disco
en vivo con Paco y John.
Este pasaje se compone de 4 triadas: G,D,
F y C, este ultimo tocado en
seiscillos repitiendo 3 veces cada nota.
El Ej. 3 corresponde al tema “Passion, Grace & Fire” incluido en
el disco “Electric Rendezvous”
(1982) y también incluido en el 2do disco del trió con Paco y John que también
lleva el nombre “Passion Grace & Fire” (1983)
Este arpegio de aires flamencos implica un A7b9 y está tocado con cuerdas muteadas o asordinadas con el canto de la mano derecha
al principio y después lo va abriendo y generando un crescendo timbrico y de
volumen. Es posiblemente el ejemplo más difícil de tocar de estos 4
El Ej. 4 es la introducción del tema
“Perpetual Emotion” incluido en el
disco “World Sinfonia” (1991)
Este arpegio de A7 tiene un voicing
y un patrón de arpegiado muy sofisticado que hacen que un acorde relativamente
común como un A7 suene como algo mucho más complejo.
El 5to tema del disco (1ro del lado 2 en la edición de
vinilo original) es “Tiempos Metálicos”
(Ej. 1) otro temazo de pulso acelerado. Estos tempos súper rápidos eran
absolutamente novedosos en esa época en el metal, no solo acá, sino en el mundo
entero. En esta clase de tempos así de rápidos se nota la influencia de Motorhead, que ya venía tocando temas a
esa velocidad desde hacía varios años antes, pero lo de Motorhead tenía algo de
influencias punk también, en cambio V8 era puro heavy metal.
En el 2do riff del tema Osvaldo usa un machaque en el armónico del A del traste
5 de la 6ta cuerda, recurso que suena en muchos temas del disco. Es decir en
lugar de machacar sobre la cuerda pisada, roza el armónico sobre el traste
produciendo ese sobretono agudo que se escucha. Podes escuchar este mismo
recurso en el riff principal de “Destrucción”,
en el riff rápido de “Si puedes Vencer
al Temor”y también lo vas a encontrar
en el 2do riff de “Brigadas Metálicas”
todos en el tono de A .
“Muy Cansado Estoy” (Ej. 2) se convirtió
en uno de los temas más populares y gancheros del disco, casi como que podría haber
sido el hit “comercial” del disco.
Con un tempo menos frenético y una temática lirica que bien podría identificar a
cualquier persona y no solo a los fans del metal.
Este tema está en la tonalidad de Bm
(la gran mayoría de los temas del disco están en A) y tiene una intro muy
original, usando el A de la 5ta cuerda al aire como nota pedal y una melodía en
A mixolidia sobre la 4ta cuerda creando una introducción histórica y memorable.
En “Brigadas Metalicas” (Ej. 3)
volvemos a la tonalidad de A y a los tempos rápidos de nuevo, y otra vez
tenemos el machaque en el armónico del traste 5 de la 6ta cuerda en el riff que
suena después de la intro con los pequeños solos y yeites que mete Osvaldo
entre los 3 acordes, donde una vez más aparece el uso del tritono o 5ta disminuida que se produce entre el D#5 y el A5 y después de nuevo en los acordes de la estrofa entre el B5 y el F5.
El tema tiene una letra absolutamente explosiva y expresa muy bien lo que sentíamos
los adolescentes que nos gustaba el metal y que no entendíamos porque acá le decían
rock a la música esa que hacían los supuestos rockeros de acá. El épico estribillo del tema esta en la
tonalidad de Dm y se volvió un himno
en los shows de V8 con el cual supimos identificarnos profundamente.
“Torturador” (Ej. 4)
es un tema recontra heavy con un trabajo de batería del enano Rowek con los 2 bombos como no había antecedente
acá. Esas bajadas cromáticas en acordes de 5 y otra vez la gran cantidad de
tritonos en los riffs le dan un aire amenazante y súper pesado con la influencia
de Black Sabbath de nuevo bien
presente.
La letra es una joda total invocando a un supuesto dentista, pero está hecha
con sorna, hablando de un modo velado de lo que había sucedido en la (en esos
años) muy reciente dictadura militar.
El cierre con “Hiena de Metal” (Ej. 5)
y Pappo de invitado en el solo de
viola, es un final perfecto para este disco. El tema de tempo más rápido y con
una duración de apenas un poquito más de un minuto y medio termina el disco
como una bomba.
“Luchando por el Metal” es una Obra
Maestra del heavy metal, no solo Argentino sino a nivel mundial, si V8 hubiera
sido una banda yanqui o británica habrían sido tan grandes como Metallica. Este
disco salió en Argentina en un momento socialmente álgido y turbulento, y fue como tirar nafta al fuego…
Afines de 1982 se realizó la cuarta edición (creo)
del festival B.A.Rock en las
instalaciones al aire libre del club Obras Sanitarias.
Este festival se caracterizaba por presentar las más conocidas e importantes
bandas del “rock nacional”, etiqueta sin el menor sentido ya que las
bandas que se supone que hacían “rock” estaban muy lejos de tocar ese estilo de
música, a mi me gusta definirlo más bien como rock nacioMAL…. Estas eran bandas pseudo hippies que tocaban una música que
Pappo, en su absoluta sabiduría y
conocimiento del tema, denominaba “bolero
eléctrico”. El Gran Norberto con su inconfundible humor siempre supo
definir las cosas en muy pocas e irónicas palabras. Gracias Dios por haber
tenido a Pappo…
Ante una
multitud de hippies además de Riff, también
se presento una banda nueva que tocaba verdadero Heavy Metal que se llamaba V8. Yo tenía solo 14 años y ya estaba
metido hasta las cejas en el Metal, Sabbath,
Purple, Van Halen, AC/DC y también ya había visto a Riff en vivo, que ya para esa época habían sacado 2 discos: “Ruedas
de Metal” y “Macadam… 3 2 1 0”
De algún modo
que ni siquiera recuerdo, yo ya había escuchado antes 2 temas de un demo de V8 “Hiena de metal” y “Parcas Sangrientas”
y me habían volado la cabeza. No fui al festival, la grilla era espantosa llena
de bandas hippies, pero si lo escuché por la radio y la actuación de V8, a
pesar del sonido deficiente, fue explosiva.
Al año
siguiente en abril de 1983 se editó “Luchando por el Metal” el primer
disco de V8, lo conseguí apenas salió, y al siguiente fin de semana fui a
verlos tocar en vivo gratis, en la calle en la puerta de un local de venta de ropa
que se llamaba “Quarry” en la esquina de Avenida Mitre y Velez Sarfield, en
pleno Munro.
El recital
fue una bomba atómica, la gente estaba enardecida, eramos una manada de
salvajes y no hubo una tragedia porque en esa época Dios estaba siempre en los
recitales de Riff y V8 evitando que hubieran muertos….
Tengo muchas
anécdotas de esos años en los shows de Riff y V8, pero hoy, y en este blog, voy
a hablar de la música de V8, específicamente de “Luchando por el Metal”
Este disco es simplemente una Obra Maestra del heavy metal, muy adelantado a su época, y yo diría que con el único paralelo internacional para
comparar que fue el primer disco de Metallica
“Kill ‘em All” editado solo unos pocos meses antes.
Luchando por
el metal explota desde el primer segundo de ese motor que suena antes del inmortal
himno “Destrucción”, hasta el último acorde de “Hiena de Metal”.
En esta nota
solo voy a hablar de los riffs de este disco, que son simplemente devastadores y toda la banda es
una máquina de avasallar.
El gigante “enano” Gustavo Rowek
destroza la batería del primer al último tema, la expresividad vocal y el carisma de Beto
Zamarbide son sumamente evidentes a lo largo de todo el disco, la presencia
del inmortal Ricardo Iorio (quizás el
alma mater de la banda) se hace muy obvia en las letras, además de ser un muy
buen bajista también. Y sí, por supuesto el querido Osvaldo Civile… el tiempo agiganta su figura como un guitarrista
excelente que descose esa Les Paul con unos solos y unos riffs asesinos.
A mi
entender las dos influencias más notorias de V8 son Black Sabbath (muy presente en el uso de tritonos y riffs de sonido
amenazante o siniestro) y Motorhead
por la velocidad de los temas con esos tempos tan acelerados.
El disco arranca con el inmortal e inoxidable himno “Destruccion” (Ej 1) un tema sencillo rápido y devastador que en
apenas un poco mas de 2 minutos de duración total te rompe la cabeza.
El tema es muy sencillo solo tiene 3 secciones (sin contar el solo de guitarra)
El riff básico con un machaque y un acorde, la estructura de estrofa con tres
acordes y el riff, y la estructura del estribillo con 2 acordes y el riff
nuevamente. Listo, palo y a la bolsa…
“Parcas Sangrientas” (Ej. 2) con el inolvidable “Heavy Metal!!!” que escupe brutalmente
Beto en la introducción no da respiro.La partitura te muestra la introducción, el riff central tocado con
ligados en la 5ta cuerda y el segundo riff más rockanrollero.
“Si Puedes vencer al Temor” (Ej. 3) es el tema más largo del disco, muy "Sabbatero”, con unos solos de guitarra
de la gran p**a y unos riffs tremendos.
La intro está en A, con un riff
sincopado con el uso de la 5ta y la 8va (un recurso muy usado por Osvaldo a lo
largo de todo el disco) y desemboca en el riff central que es simplemente una melodía
en la tonalidad de Dm (apoyada también
por un teclado discreto) que se repite infinitamente durante minutos, generando
un efecto hipnótico y creando cada vez más tensión y crescendo hasta que
explota de golpe el siguiente riff en el
minuto 3’54’’ a otro tempo mucho más rápido. Este riff tiene una métrica irregular
que me costó bastante transcribir al pentagrama. Este riff se repite dos veces
y le sigue una melodía descendente que modula el tema y lo lleva a la tonalidad
de Am donde suena el siguiente riff
con TODA la influencia de Black Sabbath, tremendo riff!
“Ángeles de las Tinieblas” (Ej. 4)
otra perla de la composición metalera, De nuevo la influencia de Sabbath es muy
evidente en este tema. Osvaldo otra vez usa intervalos de 5t justa y de 5ta
disminuida (tritono) para darle ese sonido siniestro. También hay tritonos en
la estructura de estrofa del Bb5 al E5 y 2das menores (otro intervalo
oscuro y amenazante) en los dos riffs anteriores al solo,
“Let it Be” es uno de los temas más icónicos y
famosos de The Beatles, incluido en
el álbum homónimo “Let it Be” grabado en 1969 y editado en 1970.
“Fue lanzado el 8 de mayo de 1970, días
después de que se hiciera oficial la salida de Paul McCartney de la banda, y con ella la disolución
pública del grupo.” (Wikipedia)
Hay muchas versiones
y conjeturas sobre con qué guitarra y equipamiento George Harrison grabó el solo de guitarra de Let it Be, una Fender Telecaster con diapasón de
rosewood, una Gibson les Paul 1957 o
una Epiphone Casino, evidencia fotográfica
relativamente reciente muestra que esta última sería la guitarra utilizada.
Con respecto al amplificador, Harrison solía usar un Fender Twin Silverface, pero es casi seguro que además haya usado
alguna clase de booster para obtener ese sonido sorpresivamente distorsionado, más
agresivo y muy diferente al que Harrison solía usar. Posiblemente haya utilizado
un Maestro Fuzz Face o un Tone Bender (overdrives/boosters de la época)
Mas allá de estas conjeturas el solo de guitarra de Let it Be es uno de los
mejores solos de guitarra de George Harrison. Melódico, técnicamente interesante,
expresivo y comercialmente perfecto para una canción como Let it Be.
El solo está
basado en la escala pentatónica de C
mayor (C D E G A) relativa de Am pentatónica y presenta diversas técnicas:
ligados (hammers y pulls) slides, estiradas y pre estiradas (ghost bends)
El solo abarca 8 compases, (sin contar la entrada o pick up) y se desarrolla
sobre una progresión de acordes de 4 compases, basada en la armonía de C mayor,
que se repite 2 veces:
|: C G | Am F | C G | F C/E Dm C :|
Podes ver la armonía cifrada sobre el pentagrama.
Un solo
simple y memorable grabado en el inconsciente colectivo de millones de personas.
Continuando
con la entrada anterior hoy dejo el solo de viola de “Enciende La Hoguera” incluido en el CD Martin Knye Magiar “Twister”
editado en 2001.
Podes escuchar el tema acá:
El solo central del tema suena a los 2’55’’ y abre con un pasaje tocado en la 1er cuerda que exige un
rápido cambio de posición de la mano izquierda y que concluye con una serie de
arpegios de A menor, cada vez de
mayor rango, un recurso muy tradicional de violín y piano clásico.
El pasaje con tremolo picking de los compases 159 al 163, implica un arpegio de G#dim7 y
desemboca en una frase bien clásica que se repite 2 veces, antes de subir una
5ta justa a la tonalidad de E menor donde vuelve a repetirse otras 2 veces.
El solo cambia de tonalidad en el compás 188, modulando al 5to modo de la
escala de C# menor armónica, o G# frigio
dominante. La rítmica de esta sección es siempre igual ya que son todos
trescillos.
Luego del solo de teclado vuelve a entrar la guitarra,
nuevamente en la tonalidad de A menor,
con una sección de características muy clásicas también, que está basada en la
repetición de la misma nota dos veces, pero desplazada rítmicamente, y el uso
de notas cromáticas de paso en la segunda parte, finalizando con una serie de
arpegios de Am, B7b9, E7b9 y
finalmente otro de Am en todas las
inversiones de las 1ras tres cuerdas.
Podes encontrar la transcripción completa de todas las canciones del disco "Twister" acá:
“Enciende La Hoguera”
es uno de los 3 bonus tracks incluidos en el CD “Twister” de mi banda Martin Knye Magiar editado a principios
de 2001.
El tema fue grabado originalmente en febrero de 1999 con una
alineación diferente a la que grabó el resto del disco con Daniel Gonzalez en
voces, Fabio D’intino en batería, Federico Pereyra en teclados y yo me hice
cargo del bajo y obviamente la guitarra.
Podes escuchar el tema acá:
Este tipo de temas con la medida de metrónomo tan alta es
mejor percibirlos a la mitad, o sea en lugar de negra 280, blanca 140, algo que puede hacerse tomando el redoblante
como medida de tiempo, o poniendo un metrónomo a 140 e interpretarlo como el
redoblante del tema. Esto va a hacer que las corcheas se perciban como
semicorcheas, los trescillos como seiscillos y así sucesivamente.
Este es el tema más “clásico” del disco en todo sentido
desde la armonía, hasta los arreglos y solos.
La tonalidad general del tema es A menor, y hay un uso considerable de la escala menor armónica,
arpegios menores y disminuidos de séptima (dim7), y una serie de recursos
melódicos y compositivos de corte clásico.
El riff inicial del tema está armado con intervalos de 3ras,
4tas y 5tas, sobre una nota pedal en A, y el solo que se escucha al principio
del tema está tocado sobre este mismo riff.
Este solo al igual que los demás solos que aparecen a lo
largo de la canción, están punteados casi en su totalidad, y presentan un uso
extensivo de la técnica de púa alternada mayormente, con algunos pasajes de
sweep.
La serie de trescillos que aparecen en los compases 17 y 18,
muestran alternadamente una línea descendente y ascendente que los separa, esta
aclaración indica un cambio de posición y no un slide ligado, por eso no hay
un arco sobre ellos. La digitación para tocar este pasaje es: 431-124.
La frase que se inicia en el compás 25, está formada por una secuencia de 3ras ascendentes y
luego por una secuencia de 4 notas descendentes, que se repite a lo largo del
tema en varias ocasiones, y que está duplicada por la guitarra rítmica una 8va
más abajo y por el teclado y el bajo, formando un ensamble típicamente
orquestal.
Los primeros 3 acordes de la estrofa del tema son Am, G, y F, pero siempre con el bajo en
A, otro recurso muy común en música clásica.
Los intervalos de 3ras y 4tas que suenan en los compases 41 al 44, implican la
progresión de acordes Am, Dm, G, y C,de nuevo con un bajo continuo, o pedal en A,
antes de desembocar en F y una pequeña secuencia, también duplicada en 8vas por
los demás instrumentos, que termina en E, el dominante de la tonalidad.
Del compás 51 al 62,
se desarrolla unaprogresión larga de
acordes formada por Am, G, C, E/G#, Am,
F, Dm, Am/C, Ddim7, Esus4 y E, que resuelve en F y luego G, para volver a
la secuencia de 3ras mencionada antes.
La progresión de acordes del compás 77 al 81, implica Am,
G/B, C, Dm, C/E y F, terminando en un pequeño arpegio de E7b9, que luego engancha con un arpegio
de dos 8vas de A menor.
Este arpegio está tocado de una manera que no es la que
usualmente se conoce a través de los libros y videos de Yngwie Malmsteen. La razón de esto, es que yo aprendí a tocar este
tipo de arpegios sacándolos de oído de los discos, ya que no había clínicas en
video ni libros de transcripciones ni mucho menos videos de Youtube cuando
comenzó toda esta movida allá por el año ´84 ´85, de modo que mi forma de
tocarlo es diferente y tiene otra digitación. La parte ascendente del arpegio
la toco en una sola posición y con sweep, agregándole un taping para la nota
más aguda, es decir el A del traste 17 de la 1er cuerda y desde allí desciendo
solo con ligados (hammers y pulls) de esta manera logro un sonido muy fluido y veloz.
En el compás 111,
y luego de la repetición de la estructura del tema, aparece un arpegio de A
menor tocado en una pequeña secuencia, seguido de otro arpegio, este de G#dim7,
también secuenciado, que conecta con el estribillo del tema.
Los acordes dl estribillo, que abarca desde el compás 117 al 139 son Am, F,
C, G, Am, F, C, G, E/G#, Am, G, F, C/E, Dm y E, para luego volver al riff
principal. Podes encontrar la transcripción completa de todas las canciones del disco "Twister" acá:
