miércoles, 2 de julio de 2025

"THE GREAT GIG IN THE SKY" (Pink Floyd) Guitar Cover


Este clásico de Pink Floyd fue incluido originalmente en el disco “The Dark Side of The Moon” editado en 1973 y cantado por la extraordinaria Clare Torry


Hace poco decidí hacer un cover de guitarra de este tema, lo podes escuchar acá:



Tratar de replicar las notas y el fraseo rítmico de una voz humana con la guitarra es una de las cosas más difíciles de lograr, ya que está lleno de pequeñas variaciones de altura en las notas y rítmicas muy naturales y ligadas que no se prestan naturalmente en ningún otro instrumento musical.

Para aproximar esa clase de fraseo utilicé la menor cantidad de ataques de púa posible y muchos glissandos, ligados, algunas articulaciones con la palanca y algunos pasajes con guitarra slide.

Está disponible la transcripción completa de todo el tema, esta edición incluye:

El PDF de 17 hojas en pentagrama y tablatura
El audio original del tema
El backing track o base original, sin la guitarra
Y el guitar master track o guitarra líder aislada

Para mas detalles y saber cómo adquirirla entra acá:

NUEVAS TRANSCRIPCIONES

El Ej 1 muestra los primeros 9 compases de la primer parte de la melodía vocal.

Esta sección comienza en el compas 17 cantada sobre los acordes de Gm7 y C7 y está mayormente en Gm dórica (relativa de la tonalidad de F mayor)

Las melodías vocales están basadas fundamentalmente en las escalas dórica, pentatónica y de blues de Gm.

Mantener el pitch o afinación correcta de todas estas estiradas y glissandos es lo más difícil de lograr, así como también lograr que la rítmica sea lo más fluida, expresiva y parecida posible a la original que canta la voz de Clare Torry.

Presta atención a todas las indicaciones de slides, estiradas y ligados que hay en la transcripción para lograr una expresión cercana a una voz humana.

En la próxima entrada voy a publicar algunos compases de la 2da parte de la melodía vocal que tiene una dinámica un poco más baja que la primera y  utilizo un slide metálico para darle un sonido contrastante con la primer parte y mas vocal.



miércoles, 25 de junio de 2025

STEVIE RAY VAUGHAN "SCUTTLE BOOTIN'"

 


“Scuttle Bootin’” es el tema que abre el disco “Couldn’t Stand The Weather” de Stevie Ray Vaughan, editado en 1984.

Es un tema instrumental que en apenas 1’52’’ deja clarísimo que Stevie era un eximio guitarrista con una técnica muy desarrollada de la cual no abusaba en ningún momento.

SRV fue un guitarrista muy relevante en el blues y luego de su trágica muerte se convirtió en un símbolo de la guitarra, con su clásica imagen de “gaucho Texano” y esa Fender Stratocaster recontra detonada por el uso y los años.

Dueño de un sonido cristalino y grueso con un toque de overdrive de su icónico Ibanez Tube Screamer TS808 y sus legendarias cuerdas de calibre súper pesado. La leyenda dice que usaba cuerdas 0.13 aunque no sé si es un dato realmente certero, pero mínimo un 0.11 usaba, eso se nota en el sonido de su guitarra.




Scuttle Bootin’ (afinado medio tono abajo) está basado en una frase repetitiva con la escala de blues de Em en primera posición que resuelve en los acordes de E7#9, A7 y B7#9 formando básicamente una típica progresión de blues de 12 compases.

En la grabación original del tema las dos notas estiradas que hay en la frase (el A estirado al B del traste 2 de la 3er cuerda y el D estirado al E del traste 3 de la 2da cuerda) fueron reemplazadas en vivo por slides, algo que se puede observar en YouTube  en varios videos en vivo que hay de este tema.

Según el mismo SRV, este reemplazo técnico de debe a que no quería fatigar tanto la mano izquierda con esas estiradas a esa altura del mango, que no son nada fáciles (y menos con cuerdas gruesas) Es algo comprensible para alguien que toca un tema así tantas veces a lo largo de su carrera. Con el tiempo y los años, esa clase de exigencias físicas generan fatiga, y finalmente daño en los tendones.

La transcripción que paso acá está anotada con las estiradas originales, pero se pueden reemplazar por slides ligados para alivianar el trabajo de la mano izquierda.
Lo mejor es comenzar con una medida de metrónomo mucho más baja que la original de 156bpm e ir subiendo la velocidad gradualmente concentrándose en la precisión primero y después la velocidad.

lunes, 9 de junio de 2025

Arpegios de 7

 


Un arpegio es básicamente un acorde tocado nota por nota. Hay tantos arpegios como acordes se puedan concebir.

El acorde o arpegio más básico es el acorde de tres notas o triada (T35) en sus variantes mayores, menores, aumentadas y disminuidas.

El acorde con 7 grado (tétrada) es esencialmente una triada mas la 7.

Esto genera varias combinaciones entre las 3eras, 5tas y 7mas posibles.

Hoy dejo unos ejercicios con arpegios de 7 basados en la armonía de la escala mayor que presenta 4 clases de acordes de 7:

El acorde mayor 7 (Maj7) formado por la tónica, 3 mayor, 5 justa y 7 mayor (T357)

El acorde menor 7 (m7) formado por la tónica, 3 menor, 5 justa y 7 menor (Tb35b7)

El acorde de 7 dominante (Dom7) formado por la tónica, 3 mayor, 5 justa y 7 menor (T35b7)

Y el acorde menor séptima con la quinta disminuida o semidisminuido (min7b5) formado por la tónica, 3 menor, 5 disminuida y 7 menor (Tb3b5b7)

En la armonía de la escala mayor, en este ejemplo en la tonalidad de C mayor, encontramos:

Acordes Maj7 en el primer y cuarto grado (CMaj7 y FMaj7)
Acordes m7 en el segundo, tercero y sexto grado (Dm7, Em7 y Am7)
Un acorde Dom7 en el quinto grado (GDom7 o G7)
Y un acorde semidisminuido (m7b5) en el séptimo grado (Bm7b5)

De este modo la armonía resultante es:

CMaj7 Dm7 Em7 FMaj7 G7 Am7 Bm7b5

El Ej.1 muestra estos arpegios en las primeras tres cuerdas de forma ascendente y luego descendente. Se pueden tocar con sweep picking como marca la partitura o también con la púa alternada. Lo ideal es practicarlos con las dos técnicas.

El Ej.2 alterna un arpegio ascendente con uno descendente enganchándolos en un sube y baja continuo.

Y el Ej.3 revierte la misma fórmula.



lunes, 2 de junio de 2025

DAVID GILMOUR "Another Brick In The Wall" Gtr Solo

 


David Gilmour es un guitarrista único e inimitable. Dueño de un sonido siempre espectacular, limpio y cristalino (muy característico de los amplificadores valvulares Hiwatt que mayormente ha usado a lo largo de los años) pero muy lleno y con mucho sustain.

Pero no hay que confundirse, por más que tengas la misma Fender Stratocaster y el mismo Hiwatt de Gilmour, nadie suena como él. El sonido está siempre en las manos y el oído interno de quien toca.

Es un guitarrista técnicamente sencillo con una técnica simple, comparado a los estándares modernos, pero que no quiere decir que sea fácil de hacer, y con un feeling enorme capaz de transmitir mucha emoción con pocas notas, algo que es difícil de lograr y se va desarrollando (hasta un punto) con los años y la experiencia.

Basado en las escalas pentatónica, de blues y dórica de Dm, el solo de guitarra de “Another Brick in The Wall” es un claro ejemplo de estas características.

Este solo tiene algunas de las estiradas de cuerdas más extremas que se pueden lograr, estiradas compuestas de 2 tonos y hasta 2 tonos y medio que son potencialmente rompe cuerdas.

La primera de estas estiradas se produce al final del compás 3 donde estira desde el C del traste 13 de la 2da cuerda hasta el E del traste 17. Esa misma estirada se vuelve a producir de nuevo al final del compás 19.

En el compás 11 se produce la madre de todas las estiradas, al estirar desde el C del traste 13 de la segunda cuerda, levantando el pitch o afinación de la nota primero un tono al D del traste 15, luego 2 tonos al E del traste 17 y luego aun medio tono más al F del trate 18, sumando un total de 2 tonos y medio para luego volver a C original del traste 13 y levantarlo una vez más un tono al D del trate 15, todo con un solo ataque de púa en la primera nota.

El sonido resultante de esta manipulación del pitch desde una sola nota es prácticamente mágico

Esta estirada brutal es realmente difícil de hacer bien, con la afinación y la rítmica correctas. Es una estirada asesina y potencialmente rompe cuerda, sobre todo si la cuerda está vieja o muy usada ya.

No es recomendable practicar esta clase de estiradas con cuerdas gruesas, ya que te podes agarrar una tendinitis si no estás acostumbrado o tenes la fuerza necesaria en las manos  y el entrenamiento de tocar la guitarra durante años.

Otra de las características de este solo es el uso de rakes, que son esos pequeños sweeps o arrastres de la púa a lo largo de 2 o 3 cuerdas asordinadas para acentuar una nota como se ven en los compases 9 y 21.

Otro recurso en este solo, y en general en muchos solos de Gilmour, es el uso recurrente de notas dobles (doublé stops) mayormente en los compases 6, 7, 27 y 29, y el uso de pequeños rasgueos con la púa sobre cuerdas asordinadas (marcados con “xx” en la partitura) dándole un efecto rítmico y percusivo a las últimas frases del solo.

Nota de color: Si bien David Gilmour es prácticamente un embajador de la Fender Stratocaster y es claramente la guitarra con la que más comunmente se lo ve, este solo fue grabado con una Gibson Les Paul gold top con micrófonos P90.

Sorpresas te da la vida…

   


lunes, 26 de mayo de 2025

JOHN MCLAUGHLIN "GUARDIAN ANGELS"


“Guardian Angels” es una breve composición de menos de un minuto de duración del virtuoso guitarrista británico John McLaughlin grabada originalmente en el disco “Electric Dreams” editado en 1979.

 

Este mismo tema, pero en una versión extendida y bastante más acelerada en su tempo, apareció un tiempo después en el histórico disco “Friday Night in San Francisco” que grabaran a fines de 1980 John McLaughlin, Paco De Lucia y Al Di Meola, 3 muchachos que de tocar la guitarra algo saben…

 

El tema es básicamente una sucesión de arpegios tocados en un continuo fluir de corcheas sin silencios ni variaciones rítmicas, pero si con distintas figuraciones de compas, que se repite dos veces, la segunda vez con una melodía encima.

En la partitura todos estos cambios de compás pueden parecer intimidantes, pero en realidad no lo son, las notas valen todas lo mismo, es decir, tienen la misma duración y el cambio de compás es más que nada una forma de marcar la secuencia de arpegio de cada acorde.

Hay una figura arpegiada de 7 notas en el compás 11, dos arpegiados de 6 notas en los compases 15 y 22 y todas los demás arpegios son de 3 o de 5 notas.

Los acordes que se escuchan a lo largo del tema (contrariamente a lo que parece a primera oída) son realmente muy sencillos y comunes. Mayormente son triadas mayores, menores y acordes Maj7 con inversiones varias, eventualmente con alguna #11 y un acorde dominante de 7 (F#7)

La genialidad de esta composición está en los voicings que utiliza McLaughlin, es decir cómo están armados los acordes. Triadas abiertas y acordes desplegados en más de una octava de rango le dan un sonido mucho más abierto, complejo y sofisticado que si usara los voicings o posiciones típicas de estos acordes en la guitarra.

Estos voicings sumados a la asimetría e irregularidad rítmica le otorgan mucha sofisticación a esta composición, haciéndola sonar mucho más compleja y fina de lo que sería si hubiera usado posiciones de acordes más comunes y un tipo de arpegiado regular y simétrico.

Con respecto a la parte técnica, como suele pasar con las composiciones de esta clase de guitarristas, no es fácil. La púa (anotada golpe por golpe en la transcripción) presenta varias dificultades y salteos de cuerdas, y en la versión del trío, además presenta el desafío extra de un tempo más acelerado.

Mención aparte para la increíble sincronización y precisión entre estos tres animales al tocar eso, y grabado en 1980, sin la capacidad de edición prácticamente “mentirosa” que hay hoy en día.

Esto está tocado de una y posiblemente los tres a la vez. Con guitarristas de este calibre nada asombra.